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ARTE-CUADROS
PARTE I
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50 PINTURAS FAMOSAS
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PINTORES
ARGENTINOS
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El Jardín de las
Delicias (220x195)
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esculturas
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Revista de ARTE
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PINTURA ARGENTINA
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LO QUE OCULTAN LOS CUADROS
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Pinturas de los
mejores artistas
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¿Que es La
Acuarela?
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murales de Buenos
Aires
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Genios del arte clásico de todos los tiempos
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ARTE ERÓTICO
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Historia del arte
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Entre una obra gráfica original y una reproducción
¿Cuál es la diferencia?
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La Mitología en
el Arte
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OBRAS IMPORTANTES
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Desnudos, en la pintura del
renacimiento
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Las 7 maravillas del mundo
antiguo
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colección de arte erótico |
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En Francia, en el siglo XVI, Francisco I formó una colección de
arte erótico en el castillo de Fontainebleau que incluía la antes
mencionada Leda y el cisne , de Miguel Ángel (destruida) y de
Leonardo (de paradero desconocido), así como Venus, Cupido, la
Locura y el Tiempo , de Bronzino (c. 1544-45; Londres, Nacional
Gallery), recientemente retocada. El Rey alentó el arte erótico, y
la escuela de Fontainebleau produjo muchas escenas mitológicas (
Venus ante el espejo y Marte y Venus , ambas en París, Louvre),
también retratos desnudos de amantes de Francisco y de su sucesor
Enrique IV ( Diana de Poitiers como Diana cazadora y Dos cortesanas
en el baño ; ambas en París, Louvre).La
pintura francesa del período refleja la atmósfera amoral y el
divertimento amoroso de la vida cortesana; los placeres de las
relaciones sexuales fueron celebrados con la aprobación oficial, y
Francisco I y Enrique IV fueron sucedidos como patrones por el
hedonista Luis XV y sus amantes. Artistas que se especializaron en
grabados de asunto erótico incluían a Nicolás Lafrensen , Charles
Eisen , Luis Biner (1744-c. 1800) y Pierre Antoine Baudouin , todos
los cuales disfrutaron del patronazgo real. El Museo Británico tiene
un álbum de 68 acuarelas (la Historia universal ) que muestra
escenas eróticas explícitas de la historia bíblica y de la leyenda
mitológica, con el escudo de la familia de Orleáns en cada página.
Felipe II, duque de Orleáns, fue un gran admirador de Antoine
Watteau , cuya Peregrinación a la isla de Citera (1717; París,
Louvre) es una nostálgica y poética alegoría del amor, pero cuya
Dama en la toilet (c. 1716-17; Londres, Wallace) es una mirada
íntima a un voluptuoso desnudo en el dormitorio. |
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Cuadro de Picasso El
sueño (1932) |
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Steve Wynn le dio accidentalmente un codazo en Las
Vegas al cuadro de Picasso El sueño (1932), cuyo lienzo se resquebrajó
de forma irreparable frustrando así la venta del que podría haberse
convertido en el cuadro más caro de la historia. Valorado entonces en 98
millones de euros, el lienzo iba a pasar aquel mismo día de manos de
Wynn a manos del coleccionista Steve Cohen pero tras el infausto codazo
de su dueño, la transacción se anuló. Stephen Alan Wynn (nació el
27 de enero de
1942 en
New Haven,
Connecticut) es un empresario
estadounidense de
bienes y raíces y
casino quien es acreditado por
haber ayudado al dramático resurgimiento y la expansión del
Strip de Las Vegas en
Las Vegas,
Nevada en la década de los
años 1990. Sus empresas
renovaron o construyeron algunos de los resorts más conocidos en Las
Vegas como el
Golden Nugget,
The Mirage,
Treasure Island,
Bellagio, y el hotel
Wynn. Steven Cohen
comenzó a coleccionar arte hace una década y lleva invertidos u$s 700
millones en su colección, que se encuentra en su casa de 3300 metros
cuadrados en Greenwich, la zona mas rica de Estados Unidos, a una hora
de Nueva York. Hoy su fortuna es de u$s 8.000 millones y mas del 10% lo
tiene invertido en arte. Es el dueño de un hedge fund llamado SAC
Capital Partners que llegó a manejar u$s 16.000 millones de los cuales
la mitad estaban en efectivo el fatídico lunes 15 de septiembre de 2008.
Esto le ha permitido dar facilidades de retiro a los inversores y a
comprarse parte de Genetech, que ahora fue vendida a Roche. También
posee 6% de Sotheby‘s. Su mujer Alexandra lo inició en el mundo del arte
y con sus siete hijos disfrutan de una colección ecléctica, con
impresionistas, expresionistas, tiburones de Damien Hirst y también arte
moderno. Junto a Steve Wynn (creador de la nueva Las Vegas); Ronald
Lauder (heredero de las cremas de su madre); el publicista árabe-ingles
Charles Saatchi; el dueño de Christie’s, Francois Pinaul son
considerados los coleccionistas de arte mas activos de la última década.
El 80% de sus compras han sido privadas y un 20% en subastas. Fue el
fallido comprador del Picasso de Wynn en u$s 139 millones, ya que se
daño (con un codazo
involuntario de Steve W.) . Steven Cohen posee obras maestras
post-impresionistas ("Bañistas" de Gauguin, y "Retrato de campesina" de
van Gogh) y modernas, como una "Madonna" de Much. Pero el punto fuerte
de su colección son las obras de Arte contemporáneo, que incluyen dos
maravillosos óleos de Willem de Kooning (el "Police Gazette" y el "Woman
III", comprados a David Geffen por 64.5 y 137.5 millones de dólares,
respectivamente), un gran drip de Jackson Pollock, y la obra más famosa
y polémica de Damien Hirst, " Physical Impossibility Of Death In the
Mind Of Someone Living" |
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Gianni
Versace |
Han pasado años desde que el modisto Gianni
Versace muriera acribillado a las puertas de su mansión de Miami Beach.
En pleno éxito, Gianni salió de su casa
en Miami el 15 de julio del 97 y fue asesinado por Andrew Cunanan, el
cual se suicidó a 10 días de distancia de la muerte del diseñador.
Como buen conocedor de la belleza y poseedor de una gran fortuna
Gianni había ido acumulando importantes obras artísticas,
así como exuberantes propiedades a lo largo y ancho del
mundo. Desafiando
la crisis y superando con creces las previsiones, la prestigiosa casa
de subastas Sotheby's vendió por más de 7.5 millones de euros la
exquisita colección de muebles y piezas de arte que vestían la idílica
mansión del diseñador italiano a orillas del lago Como, en el norte de
Italia. Esta fue la
casa favorita del diseñador y refleja el gusto exquisito
de un hombre que atesoró verdaderas joyas de todos los estilos. Así,
en esta mansión cuidó, especialmente, cada detalle, desde los mosaicos
del suelo hasta los paneles de las paredes.
Una de las piezas más cotizadas fue la escultura
“Creugas y Damoxenos”, dos luchadores que el escultor italiano Antonio
Canova moldeó en yeso en 1802 y que llenaba de belleza el dormitorio
de Versace. La escultura fue vendida por 433,250 libras (461,151
euros), veinte veces más de lo previsto.
En los 550 lotes que la galería subasto se encontraron pinturas de los
siglos XVIII y XIX, objetos de plata e impresionantes muebles de
estilo neoclásico o imperio. No hay que olvidar que, a los
dos años de la muerte del diseñador italiano, su familia
sacó a la venta las primeras obras de arte, entre ellas 25
millonarios ‘Picassos’. Más tarde se subastaron los objetos que
componían su mansión en Miami y la edificación se vendió
para convertirse en un hotel de lujo. La excusa de los
herederos siempre es la misma: “Los vendemos porque
nos traen demasiados recuerdos”. Otras de las piezas deseadas fueron las dos
librerías de madera de cerezo con detalles de bronce talladas por Karl
Roos en el año 1814 y que pertenecieron al palacio Borghese de Roma.
Estas bibliotecas, que se encontraban en el dormitorio de Versace,
habían sido encargadas originalmente por la princesa Pauline Borghese,
hermana de Napoleón Bonaparte, para la biblioteca en el Palazzo
Borghese en Roma en 1814. Estas librerías también decoraban el
dormitorio del diseñador, con un martillazo final de 481,250 (512,242
euros) y 601,250 libras (639,970 euros), respectivamente. Entre las
dos superaron el millón y cuadriplicaron las previsiones. Los
coleccionistas se hicieron con piezas de lo más diversas, incluyendo
diminutas pinturas de Raphael de Sanzio –vendidas por 2,660 euros cada
una–, dos sillones de caoba y bronce estilo imperial de 1880 –por
8,648 euros–, un candelero del siglo XIX –49,867–, o el cuadro del
pintor contemporáneo Luigi Frongia Marte, “Venus y Cupido” de 1995
–141,831–. Una espectacular araña del siglo XIX en oro y bronce fue
vendida por 47.000 libras, más del doble de las 20.000 libras
estimadas. Los Versace conservaron la casa favorita de Gianni hasta el
año pasado, cuando la traspasaron al magnate de la restauración ruso
Arkady Novikov por 27.6 millones de euros. A Novikov no le interesaban
las obras de arte, así que la familia las envió a Sotheby's.
Una pintura del artista del siglo XVIII
nacido en Alemania Johann Zoffany, considerada
la pintura estrella del lote, fue retirada de
la venta. Informes de prensa dijeron
que los descendientes del alcalde George Maule, el funcionario
británico representado en la pintura, contactaron con las autoridades
diciendo que les había sido robada hace 30 años, 15 años antes de que
la comprara Versace. |
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Eli Broad y su mujer Edythe |
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Eli
Broad es hijo de inmigrantes lituanos nacido en el Bronx y que
creció en Detroit. Compró su primera
inversión
en bienes raíces a los 20 años. Co-fundó Kaufman & Broad con
25,000 dólares que le prestaron sus suegros, se convirtió en la
constructora de casas más grande de la nación, enfocándose en
casas familiares para los baby boomers.
Eli Broad y su mujer Edythe son muy conocidos en el
mundo de los coleccionistas de arte, y
cuentan con más de 2.000 obras en su haber que incluyen
creaciones Pop Art de Andy Warhol y Roy Lichtenstein
o surrealistas de los españoles Salvador Dalí y Joan Miró. Tiene
una colección de arte valuada en mil millones de dólares. Su
pieza favorita es “Balloon Dog” del artista Jeff Koons.
En 1984 fundaron la
institución The Broad Art Foundation con el fin de prestar obras
de arte a museos y universidades y lograr así que sus
colecciones de arte contemporáneo llegaran a un público más
amplio.Acerca de cómo inició a adquirir obras de arte, Eli Broad
ha dicho: "creo en la teoría de que las grandes colecciones se
hacen mientras el arte es contemporáneo: no se puede volver
atrás y crear una gran colección de impresionismo y
posimpresionismo en la actualidad". Desde que aceptaron esta
premisa en los años setenta, Eli y Edythe Broad, residentes en
Los Ángeles, han reunido una de las mejores colecciones de
artistas consagrados y emergentes de los Estados Unidos. |
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El Salón des Refusés |
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El Salón des Refusés, (Salón de los Rechazados) es,
en términos generales, una exposición de las obras rechazadas por el
jurado del Salón de París oficial, aunque el término se usa
normalmente para referirse al concreto Salón des Refusés de 1863. En
los años 1830, las galerías de arte de París ya montaban exposiciones
privadas a pequeña escala de las obras rechazadas por los jurados del
Salón. El evento clamoroso de 1863 fue de hecho patrocinado por el
gobierno francés. Ese año, los artistas protestaron porque el jurado
del Salón había rechazado más de 3.000 obras, mucho más de lo normal.
"Deseando que el público juzgue la legitimidad de estas quejas", dijo
una nota oficial, el emperador Napoleón III decretó que los artistas
rechazados podían exponer sus obras en un anexo al Salón oficial.
Muchos críticos, y el público, ridiculizaron a los rechazados
(refusés), que incluían pinturas tan famosas como el Desayuno sobre la
hierba de Édouard Manet y la obra de James McNeill Whistler Chica de
blanco. Pero la atención de la crítica también legitimó la emergente
vanguardia pictórica. Animados por Manet, los impresionistas
expusieron sus obras con éxito fuera del Salón a partir de 1874. Se
organizaron otros Salons des Refusés en París en 1874, 1875, y 1886,
momento en el que el prestigio y la influencia del Salón de París
había decaído. Émile Zola incorporó un relato novelado del escándalo
de 1863 en su novela La obra (1886). Actualmente, y por extensión,
salon des refusés se refiere a cualquier exposición de obras
rechazadas por el jurado de una muestra artística. |
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El cuadro
El Juicio de
Paris |
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Paris era hijo del rey de Troya, Príamo. Pero fue
abandonado por su padre en el monte, porque la madre, Hécuba, había
soñado, cuando estaba embarazada de Paris, que paría una antorcha
ardiente que incendiaría y destruiría la ciudad de Troya. Por tanto,
Paris creció desde niño entre pastores, y como pastor aparece
caracterizado en el cuadro de Rubens. El dios Mercurio le entrega la
manzana de oro de la diosa Discordia, por encargo de Júpiter, para que
Paris decida cuál de las tres diosas es más bella: Minerva, Venus y
Juno. Venus, que ocupa la posición central y preeminente, es un
retrato de Hélène Fourment: Este matrimonio con la joven Hélène
supondrá un estímulo para el maduro pintor, infundiéndole espíritu
positivo y deseos de vivir. El poeta latino Juvenal había disuadido en
su Sátira 6 del matrimonio. Pero precisó que, en el caso raro
de que se lograra encontrar a una buena esposa, habría que ofrendar a
la diosa Juno en agradecimiento (Juvenal, Sátiras 6.47-48).
Eso es exactamente lo que hizo Rubens, cuando pintó “El Jardín del
Amor”. En ese cuadro se plasma alegóricamente la felicidad conyugal,
en el jardín de su mansión. Los putti o amorcillos simbolizan
el amor. Y la fuente de la derecha representa precisamente a Juno, la
diosa del matrimonio, de la que manan caños de amor, fertilidad y
felicidad. |
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Pintores famosos |
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Rembrandt
Henri Matisse
Vincent van Gogh
Salvador Dali
Michelangelo
Leonardo Da Vinci
Claude Monet
Edvard Munch
Edgar Degas
Piet Mondrian
Johannes Vermeer
Paul Gauguin
Paul Cézanne
Pablo Picasso
Andy Warhol
Georges Braque
Roy Lichtenstein
MásWilliam Hogarth
Edouard Manet
Paul Cézanne
Simone Martini
Pierre Bonnard
John Everett Millais
Jan van Eyck
Johannes Vermeer
Thomas Eakins
Claude Monet
René Magritte
Francisco Goya
John Singer Sargent
Dante Gabriel Rossetti
Camille Pissarro
Georges Braque
Titian
Robert Henri
Benvenuto Cellini |
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Goya |
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En 1789 Goya fue nombrado pintor de
cámara por Carlos IV y en 1799 ascendió a primer pintor de cámara,
decisión que le convirtió en el pintor oficial de Palacio. Goya
disfrutó de una posición especial en la corte, hecho que determinó que
el Museo del Prado de Madrid heredara una parte muy importante de sus
obras, entre las que se incluyen los retratos oficiales y los cuadros
de historia. Éstos últimos se basan en su experiencia personal de la
guerra y trascienden la representación patriótica y heroica para crear
una salvaje denuncia de la crueldad humana. Los cartones para tapices
que realizó a finales de la década de 1780 y comienzos de la de 1790
fueron muy apreciados por la visión fresca y amable que ofrecen de la
vida cotidiana española. Con ellos revolucionó la industria del tapiz
que, hasta ese momento, se había limitado a reproducir fielmente las
escenas del pintor flamenco del siglo XVII David Teniers. Algunos de
los retratos más hermosos que realizó de sus amigos, de personajes de
la corte y de la nobleza datan de la década de 1780. Obras como Carlos
III, cazador (1786-1788); Los duques de Osuna y sus hijos (1788) ambos
en el Museo del Prado de Madrid, o el cuadro la Marquesa de Pontejos
(c. 1786, Galería Nacional, Washington) demuestran que en esa época
pintaba con un estilo elegante, que en cierto modo recuerda al de su
contemporáneo inglés Thomas Gainsborough. Dos de sus cuadros más
famosos, obras maestras del Prado, son: La maja desnuda (1800-1803) y
La maja vestida (1800-1803). Estos ultimos fueron pintados para el
ministro Godoy, de forma que se superpusiera la una a la otra según la
ocasión. Esto le costó una denuncia a la Inquisición. |
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Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí |
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Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech,
Marqués de Pubol (11 de mayo de 1904 — 23 de enero de 1989). Más
conocido como Salvador Dalí, fue un pintor, escultor, diseñador,
escritor y cineasta español. A temprana edad ya llamaba la atención en
Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, por su talento y
excentricidad; llevaba pelo largo y patillas y vestía con abrigo,
medias y pantalones bombachos, al estilo de la moda del siglo
anterior. Dalí fue expulsado de dicha Academia, poco antes de sus
exámenes finales, tras afirmar que nadie en la Academia era lo
bastante competente para examinarle. Por aquel entonces su maestría en
las habilidades pictóricas respondían al cubismo. Pero a lo largo de
la decada del '20 sus obras empezaron a virar para el lado del
dadaismo. Comenzó a relacionarse con escritores como el poeta Federico
García Lorca y del director de cine Luis Buñuel y otros artistas que
seguían la tendencia surrealista, de quienes tuvo fuertes criticas,
por sus posturas sobre el dadaismo, el surrealismo y su método de
creatividad al que llamó "método paranoico-crítico". Dalí, como pintor
no tuvo un único estilo o técnica; lo mejor de su producción se
desarrolló dentro del surrealismo y sus cuadros, de un gran detalle y
composiciones extravagantes y geniales, reflejan un mundo onírico
particular. Tal vez su etapa mas surrealista fue cuando colaboró con
Luis Buñuel en la película "Un perro andaluz" (Un chien andalou), en
la que contribuyó a revitalizar este movimiento con sus novedosas
invenciones, basadas en ideas freudianas (muy polemicas por cierto).
Pero Dalí no limitó su idea de surrealismo a la pintura, sino que
también la materializò en sus esculturas y en la moda. Dalí tenia un
gran interés por la moda, la imagen y su propia estética personal.
Dalí fue todo un dandy, quien llegó a ser elegido como el hombre más
elegante de Francia. Dalí tuvo una musa inspiradora de sus obras, Gala
Eluard Dalí (su esposa). Cuando Gala murió en 1982, Dalí se hundió en
una profunda depresión que lo llevo a mudarse a su casa en Pubol. El
rey Juan Carlos I le concedió el título de Marqués de Pubol. Un
incendio en su habitación en 1984 hizo que se trasladase a unas
habitaciones en Torre Galatea, edificio anexo al Teatro-Museo, donde
permaneció prácticamente recluso hasta su muerte el 23 de enero de
1989. La mayor parte de su obra fue donada por él mismo a España. Dalí
descansa en su propio museo en Cataluña, España. |
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herederos
del magnate naval Stavros Niarchos |
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FAMILIA NIARCHOS:
Los herederos del magnate naval Stavros Niarchos poseen una gran
colección de Arte impresionista y moderno, en especial su hijo Phillipe
Niarchos. Entre las obras de su propiedad encontramos tres obras
maestras de Vincent van Gogh ("Autorretrato con la oreja vendada",
"Retrato de Pere Tanguy" y "La casa de Pére Pilon"), la que es
posiblemente la obra de Gauguin más importante en manos privadas
("Jinetes en la playa"), y el autorretrato "Yo, Picasso", comprado en
1989 por casi 48 millones de dólares. En los últimos años Phillipe ha
aumentado su colección con obras de Arte contemporáneo, como la "Shot
Red Marilyn" de Andy Warhol o un autorretrato de Jean Michel Basquiat. |
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COLECCIÓN WILDENSTEIN: |
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COLECCIÓN WILDENSTEIN:
la que es quizás la mejor colección privada de Arte del mundo sigue
rodeada de misterio. Marchantes y coleccionistas, además de carnaza para
la prensa amarilla, los Wildenstein han amasado durante muchas décadas
una impresionante colección que, si bien casi nadie conoce con
exactitud, algunas fuentes la han valorado en 10 billones de dólares
(¡más de 7,000 millones de euros!). Este "Eldorado del Arte" acogería
obras de los mejores pintores desde los maestros antiguos hasta los
modernos, con obras de Van Gogh, Renoir, Gauguin, Cézanne, Monet, varios
Rembrandts, varios Rubens, Caravaggio, El Greco, Fragonard, una
recientemente catalogada "Virgen y niño con las siete virtudes" de
Giotto di Bondone, e incluso -según se dijo en un juicio sobre el
patrimonio familiar - una pintura de Vermeer todavía no conocida por los
críticos. |
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el óleo |
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Las bases sobre las que se aplica el
óleo son diversas, sin que por ello varíe su aspecto. Lo que si varía
es la técnica de preparación de estas bases pues es muy distinto
pintar sobre lienzo, tabla, fresco o
cobre.
A partir del
siglo XVII
con el arte
barroco los
pintores eligieron como
soporte
favorito de sus pinturas al óleo sobre lienzo, siendo este más
práctico para la elaboración de grandes composiciones, que la tabla.
De tal forma tomó importancia el material empleado por los artistas
que se empezó a emplear la palabra
lienzo u óleo en lugar
de cuadro para designar las obras pictóricas. Los primeros
grandes artistas de pintura al óleo fueron los
flamencos.
La tradición sostiene que fueron los hermanos Van Eyck los que
inventaron la pintura al óleo. Esta afirmación, falsa, se basa en que,
efectivamente fueron ellos, sobre todo Jan, los que explotaron las
innumerables posibilidades de esta técnica, infrautilizada hasta
entonces. Van Eyck utilizaba el óleo con gran precisión y los
venecianos (Tiziano) lo ampliarán aprovechando las posibilidades de
textura de la pintura con base de aceite. La perspectiva aérea la
desarrolla
Leonardo de Vinci
(la
Gioconda).
El flamenco
Rubens,
pintor barroco parte de una base oscura o neutra. Estos pintores se
caracterizaban por ser directos en grado extremo (capas con gran
vitalidad y mínimas correcciones).
Rembrandt
creará el “grisaille”; éste se convirtió en el método académico en el
siglo XVIII. En el
Romanticismo
hay mayor libertad técnica. En el
impresionismo
los pintores usan una técnica más directa. En el
expresionismo abstracto
hay un intento de primar la expresión en lugar de la corrección
técnica, igual que los neoexpresionistas. El equipo que usan
estos artistas son pinceles (cerda blanca o marta roja, también de
pelo sintético, y diferentes tamaños), espátula, caballete y paleta.
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buenos modelos |
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Era difícil
encontrar buenos modelos; a menudo se usaban yesos de obras antiguas,
completando las sesiones de pose; los modelos, normalmente, tomaban las
posiciones de las estatuas clásicas, convirtiéndose esa gestualización
en una segunda naturaleza; así, en La muerte del Capitán Cook, de
Zoffany, éste adopta la pose del Galo moribundo; los escultores
eran incapaces de imaginar las figuras desnudas en otros términos; por
otra parte, la Antigüedad había operado en la naturaleza variaciones
para crear obras ideales: modificado las proporciones, aplanando y
disminuyendo el vientre, simplificando los músculos e ignorando las
venas o resolviendo el problema de hacer las rodillas. El desnudo no
podía ser erótico (a diferencia del rococo), había se ser esencialmente
puro (decía Diderot): el desnudo sólo era aceptado como la forma más
alejada del cuerpo humano desvestido.A menudo las obras no se pueden
tomar por seres vivos (Amor y Psique, de Canova); son visiones
ideales que ninguna imperfección viene a alterar; no son ni naturalistas
ni artificiales. El desnudo nos lleva a la
edad de la inocencia, al hombre desnudado de todas las apariencias
engañosas, como la naturaleza lo ha formado, liberado de los compromisos
y ligaduras del tiempo, como sobre un fondo de eternidad. Diderot, y
otros, en 1770, le pidieron a Pigalle un desnudo de Voltaire, a los 76
años. Lo hizo con las piernas amojamadas y el torso descarnado de un
septuagenario; representa el triunfo del espíritu sobre la materia y la
fragilidad de la carne. Fue la primera manifestación del desnudo
contemporáneo; la desnudez elevaba al retratado a un orden superior;
cuando Canova hace a Napoleón desnudo, heroico en escala y desnudez, le
da el cuerpo perfecto de un dios griego, igual que un Augusto deificado |
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Museo Ermitage |
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El Museo ermitage se inicia con Pedro el Grande, cuando adquirió
varias obras de arte, entre las que se encontraban David despidiéndose
de Jonatan, de Rembrandt y La Venus de Táurida. Pero se considera que
su nacimiento oficial es de 1764, cuando un comerciante berlinés envío
225 cuadros a Catalina II en pago de deudas. La emperatriz quiso que
su colección no fuera superada por galerías de otros monarcas y
comenzó a comprar casi todo lo que se vendía en subastas europeas.
Hacia finales de su reinado, la colección del Hermitage contaba con
3.000 cuadros, casi 7.000 dibujos, más de 70 mil grabados y 10 mil
piedras talladas que eran su afición especial. Pero sus colecciones no
eran accesibles al público. Pasarían varios siglos para que su
patrimonio pasara a convertirse en patrimonio del pueblo ruso. En la
actualidad el Hermitage recibe unos dos millones y medio de personas
por año. En este palacio se encuentran obras de los maestros del
Renacimiento italiano: Judit de Giorgione, la poética Virgen de la
Anunciación de Simone Martín, obras de Fra Angélico y Botticelli. |
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comprar pintura |
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No es necesario disponer de una fortuna
para comprar pintura, el arte más utilizado como vía de inversión. A
partir de doce mil euros se puede optar a firmas importantes y, desde
los treinta mil euros, se llega a las obras maestras. Si no se tiene
mucho dinero, lo ideal es limitarse a un género o a una época. Los
siglos XY y XVI son los del reinado de la pintura italiana, Y el XVII,
por ejemplo, fue fecundo para las pinturas españolas, italianas,
holandesas y japonesas.
Dònde comprar ?En las subastas, el vendedor ha de pagar entre un 10% y
un 11% sobre el precio final del remate a la sala, en concepto de
corretaje. Los gastos de transporte y seguro corren a cargo del vendedor
antes del remate y del comprador, después. Ahora hay nuevos soportes
para la compraventa de arte, como distintos puntos de venta en Internet.
En qué invertir ? La pintura gótica es una de las mejores inversiones
que se puede hacer en estos momentos, ya que hay piezas catalogadas de
mucho valor por menos de ocho mil euros. Los bodegones de flores y
naturalezas muertas de los siglos XVII y XVIII tienen mucha aceptación
en toda Europa. El siglo XVIII está lleno de oportunidades, porque Goya
eclipsó a un buen número de artistas hoy totalmente subvalorados y cuya
cotización previsiblemente crecerá en los próximos años.
Con 40 millones de dólares se puede formar una colección
de arte latinoamericano de calidad, o comprar medio Picasso”,
desafía Herlitzka, quien se define a sí mismo como un “
coleccionista reconvertido” que en estos últimos quince años
ha adquirido obras importantísimas de Berni, Alberto
Heredia, Jorge de la Vega y Alberto Greco, y también obras
paradigmáticas de los 90 y comienzos de 2000 de artistas como
Pablo Siquier, Leandro Erlich, Marcos López y Marcelo Pombo.
Una tendencia de la que también se han hecho eco otros coleccionistas de
peso en el panorama local, como Hugo Sigman
(empresario farmacéutico, dueño de los laboratorios Biogénesis y Elea),
Eduardo Grüneisen (ex dueño de la petrolera
Astra, actual propietario junto a su hermano Ricardo de la cadena de
librerías Yenny-El Ateneo, y poseedor de una importantísima colección de
Xul Solar y de obras de Noé
y De la Vega), o Rubén Cherñajovsky
(dueño del grupo Newsan, que administra las marcas de electrónica Sanyo
y Noblex), y que en su colección privada posee, además de arte argentino
contemporáneo, obras del cotizado inglés David Hockney
y valiosas piezas del expresionismo alemán. |
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la pasión por coleccionar obras de arte |
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De Grecia al
siglo XXI, la pasión por coleccionar obras de arte se ha
convertido en una auténtica obsesión. La roma imperial, la
Europa Medieval y del Renacimiento, los gabinetes de
curiosidades del siglo XVIII, las suntuosas mansiones burguesas
del siglo XIX, las infranqueables viviendas de los grandes
mecenas del siglo xx y los modestos talleres de los artistas que
revolucionaron la historia del arte hace ahora un siglo son
algunos de los escenarios que visitamos en vísperas de ARCO, una
de las citas imprescindibles para los coleccionistas que han
tomado el testigo. Coleccionar arte
ha sido, desde siempre, símbolo de prestigio y poder. Y, por
supuesto, sinónimo de riqueza. Lo fue ya en la Antigüedad y lo
es hoy. Las motivaciones, sin embargo, no siempre han sido las
mismas. Por ejemplo, la pasión por el arte griego de un
emperador como Adriano, uno de los primeros coleccionistas de la
historia, obedecía al puro placer estético. Un mecenas
renacentista como Cosme de Médicis, en cambio, sí podía hacerlo
–y lo hacía– por prestigio. Se podrían citar otros casos
igualmente curiosos que demuestran que algunos coleccionistas o
mecenas han pasado a la historia más por promover o coleccionar
obras de arte que por cualquier otro motivo. Un caso
paradigmático es, por ejemplo, el papa Julio II, que sería
apenas un nombre más en la larga lista de pontífices del
convulso siglo XVI si no fuese porque su figura está unida para
siempre a la de Miguel Ángel y a las pinturas del techo de la
Capilla Sixtina. Ejemplos como éste se podrían citar hasta el
infinito. Es decir, el coleccionismo de arte da prestigio
y fama tanto al coleccionista como al mecenas. Gracias a estos
estímulos –prestigio y fama– es posible reconstruir hoy la
historia de la pintura o de la escultura, por ejemplo. Los
grandes museos históricos europeos no existirían como tales si
reyes, papas y nobles no hubiesen sentido este impulso. Los
grandes tesoros del Museo del Prado, por ejemplo, son el
resultado de la pasión coleccionista de nuestros reyes a lo
largo de los siglos XVI a XVIII. Las “riquezas” o “vacíos” en
las colecciones del Prado (la abundante pintura veneciana, por
ejemplo, y la escasa pintura holandesa) son la mejor muestra de
los gustos artísticos de nuestros Austrias. Para desgracia
nuestra, por ejemplo, las grandes familias españolas, en cambio,
no se distinguieron precisamente por su pasión coleccionista.
Hubo que esperar al siglo XIX y, por supuesto, al XX, para que
aparecieran los primeros coleccionistas privados o
institucionales. |
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colores |
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Existía un pigmento llamado marrón de
momia que se obtenía de la descomposición de las momias que se
importaban de manera clandestina desde el siglo XII. Los
distintos artistas tenían y tienen sus trucos para poder dar a la
pintura el aspecto de veladuras, imágenes en profundidad, y detalles
microscópicos. La técnica para estos casos era o es diluir más o menos
la pintura en aceite de linaza mezclado con esencia de trementina.
Respetando siempre el graso sobre magro. Las capas inferiores se
diluyen en esencia de trementina (capa magra ya que la esencia de
trementina es un disolvente). Si en las siguientes capas necesitamos
una pintura más fluida se tiene que diluir con medium (dos partes de
esencia de trementina y una de aceite de linaza), por lo tanto en esa
capa la pintura tendrá un mayor porcentaje de grasa que la anterior.
El color llamado rose doré utilizado para los rostros se obtenía con
la orina de las vacas indias previamente alimentadas con hojas de
mango. Poco a poco fue cayendo en desuso. El rojo intenso se
hacía con ayuda de un insecto llamado
cochinilla.
En la antigüedad el color más costoso era el azul ultramar, obtenido
de una piedra semi preciosa, el
lapislázuli.
Era el color utilizado en la pintura de los mantos de la Virgen, y era
frecuente que su cantidad, uso y extensión fuera objeto de
especificaciones muy precisas en los contratos realizados entre los
comitentes y el artista. Los artistas venecianos de final del
siglo XV fueron los primeros que utilizaron el lienzo libre montado
sobre un armazón. La tela alcanzó su máximo esplendor como
soporte en el siglo XIX con los impresionistas, cuando se comenzó a
extender la pintura al aire libre y se hicieron necesarios soportes
más ligeros y fáciles de transportar. |
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Toulouse-Lautrec
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Nació en el castillo de Albi en el seno de una
familia de la
nobleza. En su familia, como
era habitual en muchas sagas de la gran aristocracia, los matrimonios
se realizaban entre parientes para evitar las divisiones territoriales
y la dispersión de la fortuna. Éste fue el caso de los padres de
Henri, el conde
Alphonse de Toulouse-Lautrec-Monfa
y
Adèle Tapié de Celeyran, que
eran primos en primer grado. La
endogamia hubo de condicionar
la salud del artista. Henri fue el primogénito y cuando tenía cuatro
años, nació su hermano Richard-Constantine, que falleció un año
después. Por desavenencias, sus padres se separaron en
1868 y Toulouse-Lautrec quedó
bajo el cuidado de su madre. Su infancia fue feliz hasta que, como
consecuencia de la
consanguinidad de sus padres,
Toulouse-Lautrec padeció una enfermedad que afectaba al desarrollo de
los huesos y que comenzó a manifestarse en él en
1874. Su constitución ósea
era débil y entre mayo de
1878 y agosto de
1879 sufrió dos fracturas en
los
fémures de ambas piernas, que
le impidieron crecer más, alcanzando una altura de 1,52 m. En 1897 sufre su primer ataque de delírium trémens,
que le lleva a disparar con un revólver contra imaginarias arañas. Las
crisis alcohólicas se suceden desde entonces y lo llevarán a ser
internado dos años después; para demostrar que no está loco realiza de
memoria toda una serie de litografías sobre el circo. Los dos últimos
años de su vida suponen un sorprendente cambio de estilo hacia una
paleta más oscura y empastada. Su éxito comercial venía siendo
creciente desde la exposición individual en Goupil de 1896, aunque
nunca eso le preocupó demasiado. El deterioro progresivo de su salud
lo lleva en 1901 al castillo de Malromé, donde queda al cuidado de su
madre, que lo acompañó en su lecho de muerte. Ella fue quien, tras el
fallecimiento de su hijo, recopiló buena parte de la obra que hoy se
conserva en el Museo Toulouse-Lautrec de Albi. Todo lo relacionado con
la
prostitución, constituyó uno
de los temas principales en su obra. En sus obras de los bajos fondos
de París pintaba a los actores, bailarines, burgueses y prostitutas. A
éstas las pintaba mientras se cambiaban, cuando acababan cada servicio
o cuando esperaban una inspección médica. Tenía grandes
problemas con el alcohol, lo que muchas veces derivaba en locura.
Además contrajo la
sífilis.
El
alcoholismo
deterioró su salud. Y a partir de
1897
padeció manías, depresiones y neurosis, además de ataques de parálisis
en las piernas y en un costado. En
1897
tuvo que ser recogido de las calles a causa de una borrachera y poco
después en un
delírium trémens
llegó a disparar a las paredes de su casa creyendo que estaban llenas
de arañas. Sin embargo seguía pintando de forma firme y rápida; pero
lo volvieron a recoger alcoholizado en
1899
y lo internaron en un sanatorio mental. Allí realizó una colección de
pinturas sobre el
circo.
Le dejaron ir a casa de su madre en las posesiones de ésta cerca de
Burdeos,
y el 9 de septiembre de 1901 murió postrado en su cama. En
1922
su madre y su tratante abrieron el
Museo Toulouse-Lautrec
en
Albi,
muy visitado y reconocido por su amplia colección.
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obras
de arte robadas |
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Las
obras de la lista son «La Virgen del huso», de Leonardo da
Vinci, valorada en 65 millones de dólares, robada en el castillo
de Drumlanring en Escocia en agosto del 2003; obras de Vermeer,
Rembrandt y Manet valoradas en 300 millones de dólares, sustraídas
del Isabella Gardner Museum de Boston en marzo de 1990; dos
pinturas de Van Gogh robadas del Museo del artista en Amsterdam en
diciembre del 2002. Aunque los ladrones han sido capturados,
todavía no han aparecido las piezas... Sí en cambio han aparecido
recientemente los óleos robados en diciembre del 2000 en el Museo
Nacional de Estocolmo: dos Renoir y un Rembrandt. Cierran este
truculento «top ten» un violín Stradivarius Davidoff-Morini
sustraído del apartamento de Erica Morini en octubre de 1995; «La
natividad con san Lorenzo y san Francisco», de Caravaggio, del
Oratorio de san Lorenzo, en Palermo; y un paisaje de Cézanne,
desaparecido del Museo de Oxford (EEUU) en enero de 1999. Según el
FBI, la suma de las desapariciones de esta lista ronda los 600
millones de dólares, aunque se estima que el valor del arte
sustraído sólo este año en el mundo se acerca a los 6.000 millones
de dólares. |
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Cuidado de
obras
de arte |
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Cuidar adecuadamente
sus obras de arte es parte vital para mantener las mismas en buen
estado por mucho tiempo. Para lograrlo siga los siguientes consejos:
- Nunca guarde o almacene sus obras
de arte en sótanos o garajes donde la temperatura y la humedad
puedan fluctuar constantemente.
- La temperatura ideal para
mantener las piezas en buen estado debe estar entre los 55 y los 72
grados Fahrenheit.
- Evite colgar sus pinturas u obras
sobre papel en áreas donde estén expuestas a demasiada luz, ya que
la misma puede provocar que los colores se desvanezcan y que la
pintura se agriete.
- Recuerde que las telas (canvas)
pierden su forma con el tiempo, por lo que debe procurar que un
profesional estire los bastidores periódicamente.
- Las obras sobre papel deben estar
bien enmarcadas, selladas herméticamente y protegidas con cristal o
"plexiglass". Para ello sólo use materiales de calidad
museográfica.
- Lave sus manos antes de tocar una
pieza de arte, ya que los aceites naturales en su piel pueden
hacerle daño a las mismas.
- Para limpiar un óleo o un
acrílico haga uso de un plumero suave.
- Utilice una aspiradora o un
cepillo suave para evitar la acumulación de polvo en la parte
posterior de una pintura o cualquier otra obra enmarcada.
- Si no logra remover el polvo
sobre una pintura con el solo uso de un plumero, tome un algodoncito
pequeño y humedézcalo en agua destilada y páselo con mucho cuidado
sobre la misma. Evite hacerlo si la obra está agrietada.
- No coloque decoraciones navideñas
o de temporada sobre sus pinturas ya que puede seriamente echarlas a
perder.
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mujeres desnudas
abrazadas |
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Khalil Bey, antiguo embajador turco
en San Petersburgo, encargó a Courbet dos pinturas que causaron
escándalo en los 60. El sueño (1866; París. Petit Palais), muestra dos
mujeres desnudas abrazadas, relajándose en la cama tras haber hecho el
amor, una de las pocas obras mayores sobre el tema lésbico del arte
occidental. El origen del mundo (c. 1867; París, Museo d’Orsay)
muestra el torso de una mujer desnuda con las piernas separadas,
centrando la atención en la vulva. Esta pintura, que fue ensalzada por
Edmond de Goncourt en 1889, estuvo desaparecida hasta bien avanzado el
siglo XX, cuando fue encontrada en la colección del psicoanalista
Jacques Lacan. Edouard Manet también atrajo la controversia. Su
Almuerzo sobre la hierba (1863; París, Museo d’Orsay) provocó una
violenta protesta porque mostraba a una mujer desnuda, de picnic con
dos hombres vestidos, en un ambiente contemporáneo más que mitológico.
De forma similar, su Olimpia (1863; París, Museo d’Orsay) fue atacada
en el Salón Oficial de ese año sobre la base de que su título
mitológico pretendía oscurecer el tema de la pintura, una prostituta
echada en la cama. Estas dos pinturas fueron muy significativas para
el posterior desarrollo del arte moderno, pero, sin embargo, la obra
más aclamada en el Salón de 1865 fue El nacimiento de Venus (1862;
París, Museo d’Orsay) del muy respetado Alexandre Cabanel , una
excitante y provocativa pin-up que pretendía representar a una diosa
clásica. Esta fue comprada por el Emperador Napoleón III, quien
públicamente había condenado a Courbet y Manet por obscenos. |
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Quinquela Martín |
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Benito Quinquela Martín (1 de marzo de 1890; 28 de
enero de 1977) Fue un pintor argentino nacido en La Boca, Buenos
Aires. Quinquela Martín es considerado el pintor de puertos -por
excelencia- y es uno de los más populares pintores argentinos. Sus
pinturas portuarias muestran la actividad, vigor y rudeza de la
vida diaria en la portuaria La Boca. No ha podido determinarse con
certeza su nacimiento porque fue abandonado el 20 de marzo de 1890
en la Casa de los Expósitos, un orfanato con una nota que decía
"Este niño ha sido bautizado con el nombre de Benito Juan Martín".
Por su forma física, se dedujo que habría nacido 10 días antes;
por lo que se fijó aquella fecha para su cumpleaños. Benito, de
vida muy sacrificada, cursó tan solo los dos primeros grados de la
primaria, y luego se dedicó a repartir el carbón que sus padres
vendían a los vecinos del barrio. A los 15 años se inscribió en
una academia para cursar dibujo y pintura, Completó su formación
autodidacta a través de lecturas en la biblioteca del Sindicato de
Caldereros, y allí descubrió el libro "El Arte" del escultor
francés, Auguste Rodin, que lo llevó a dedicar su vida a la
creación artística. Benito tuvo la suerte de ser un reconocido
pintor y exponer sus obras en prestigiosas galerias Italianas y de
Nueva York. Tambien hay que reconocer el gran gesto que tubo para
con la ciudad de Buenos Aires al donar muchas de sus obras, siendo
en la actualidad, rasgos fundamentales de la identidad del barrio
de La Boca. Benito fallece en Buenos Aires el 28 de enero de 1977,
y es sepultado en el "Rincon de los notables" en el Cementerio de
la Chacarita, (Buenos Aires).
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el último tercio del
siglo XIV |
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En
el último tercio del
siglo XIV,
un nuevo estilo pictórico se extendió
por
Europa desde la corte de los
Papas de Aviñón.
Simone Martini y otros artistas
italianos y franceses difundieron el realismo naturalista de los
pintores de la
escuela sienesa y la
caligrafía refinada de las miniaturas francesas.
Este estilo, que luego se llamará gótico internacional, tuvo sus
principales focos en
París,
Siena,
Colonia y
Bohemia.
París se había convertido en el centro de la miniatura europea. Con el
duque de Berry, trabajaban los
hermanos Limbourg, los más grandes
miniaturistas franceses, que entre
1411 y
1416 iluminaron la obra maestra
Las muy ricas horas del Duque de Berry.
El hecho de que las mejores obras conservadas de este periodo sean
miniaturas revela la preponderancia de estas sobre la pintura.
En
Flandes, en 1422 comienza la
actividad
Jan van Eyck, figura cumbre de la
historia del arte y gran innovador de la pintura al desarrollar una
nueva forma de representar la realidad.
Durante el siglo XV, la
técnica del óleo se difundió
de forma importante en Flandes. El empleo de óleo como
aglutinante permitía tintas más fluidas que, aplicadas en capas
sucesivas casi transparentes, obtenían todas las gradaciones de
color y de luminosidad.
De esta forma se conseguía representar con todo detalle cualquier
objeto. También utilizaban experimentalmente todo tipo de
sistemas perspectivos mediante métodos empíricos.
Su perspectiva se aproximaba más a la visión natural y el aire casi se
palpaba. Lo conseguían mediante la "perspectiva aérea", degradando el
color hacia grises azulados para los objetos lejanos. El texto teórico
que recogió los sistemas perspectivos nórdicos fue el De artificiali
perspectiva, de Jean Pélegrin, conocido como Viator, y que es el
equivalente del Tratado de Alberti para la pintura renacentista
italiana.
En
Italia, en este periodo, se estaba
gestando el
Quattrocento, el primer renacimiento,
un arte a la medida del hombre, con la perspectiva como recurso
pictórico que producía la ilusión de la tercera dimensión.
Los antecedentes de este nuevo lenguaje se encontraban en las
representaciones escultóricas de
Ghiberti,
Della Quercia y
Donatello. Fue en
Florencia, en 1427, en el cuadro de
la
Trinidad, donde el pintor
Masaccio en colaboración con el
arquitecto
Brunelleschi resolvieron los
problemas de la perspectiva. Luego
León Battista Alberti, arquitecto y
amigo de Brunelleschi, que había conocido los debates en la Trinidad
sobre la forma de representar la perspectiva, los transmitió en su
obra De Pictura. Posteriormente, a partir de 1430,
Paolo Uccello,
Andrea del Castagno,
Piero della Francesca y
Andrea Mantegna terminaron de
elaborar el nuevo lenguaje.
Francia estaba inmersa en la
Guerra de los Cien Años (1337-1453)
con
Inglaterra. En 1415,
Enrique V de Inglaterra desembarcó en
Normandía y derrotó a los franceses
en la
batalla de Azincourt, tomando París y
llevándose como rehén al rey francés
Carlos VI, al que obligó a reconocer
al monarca inglés como heredero al trono francés. En estos años, la
guerra y el caos hicieron desaparecer casi completamente la actividad
artística en Francia. A la muerte de Carlos VI
en 1429, Francia, incumpliendo lo acordado, coronó al hijo de Carlos
VI como nuevo rey, con el nombre de
Carlos VII. Este estableció su corte
en
Bourges. Hasta el año 1453, no se
liberó el país totalmente de los ingleses.
Carlos VII falleció en 1461 y le sucedió su hijo
Luis XI, que estableció en
Tours la capital de Francia.
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La escultura 'El
hombre que camina' |
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AÑO 2010- La escultura 'El hombre que camina' ('L'Homme qui
marche') de Alberto Giacometti fue subastada el miércoles en
Londres por 65 millones de libras (74,2 millones de euros, 104,3
millones de dólares), superando así el récord mundial de una
obra de arte vendida en una subasta, dijo un portavoz de la casa
de subastas Sotheby's. El récord anterior lo ostentaba un lienzo
de Picasso, 'Chico con pipa', vendido por 104,2 millones de
dólares (58 millones de libras) en mayo de 2004 en la sucursal
de Sotheby's en Nueva York. "Tras ocho minutos de batalla de
pujas rápida y furiosa entre al menos 10 posibles compradores"
la pieza, perteneciente al banco alemán Commerzbank, fue vendida
"a un comprador anónimo al teléfono", ha indicado la casa en un
comunicado. 'L'Homme qui marche' pertenece a su etapa de madurez
y representa el punto culminante de la experimentación del
escultor suizo con la figura humana. La obra debía ser parte de
un proyecto público encargado a Giacometti para la Chase
Manhattan Plaza neoyorquina. El artista creó entonces varias
esculturas, de las que sólo unas pocas subsisten: Entre ellas, 'L'Homme
qui marche' I y II. Al darse cuenta de que tardaría muchos años
en llevar a cabo el proyecto, Giacometti terminó abandonándolo.
Sin embargo, aquella escultura se convirtió en una obra icónica
por derecho propio. El bronce, de 1,83 metros de altura, había
sido valorado en catálogo entre 12 y 18 millones de libras.
Se ha vendido un precio que triplica su estimación más
optimista. En la puja londinense, una de las más
espectaculares de los últimos tiempos, también se subastaron
otras obras maestras, como 'Iglesia en Cassone. Paisaje con
cipreses' (1913), de Gustav Klimt, que superó con creces su
precio máximo estimado al rematarse por 26,9 millones de libras
(30,7 millones de euros) y el Matisse 'Femme Couchée', que se
adjudicó por 4,4 millones de libras (5 millones de euros),
dentro del precio estimado.
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Yves Saint Laurent |
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Se subastaron objetos
personales de Yves Saint Laurent y su pareja y socio Pierre Bergé.
Lo que se ha titulado como “La subasta del siglo”
correspondió a una ingente colección de obras de arte que la pareja ha
ido acumulando durante toda su vida.
Pierre Bergé, compañero sentimental,
manager y consejero de Yves Saint-Laurent
durante muchos años, ha sido desde siempre un apasionado coleccionista
de arte. Entre ambos crearon, en
1961, la Maison de Couture Yves Saint–Laurent,
que en 1974 se instaló el número 5 de la Avenue Marceau, una dirección
que con el tiempo se ha convertido en legendaria. No en vano se calcula que ronda la
friolera cantidad de más de 300 millones de euros.
Tras la muerte del afamado diseñador, en junio de 2008, su
pareja quiso deshacerse de estos objetos ya que, según sus palabras,
sin él “ya no tenían sentido.” Durante cuatro
décadas la pareja fue recopilando obras de arte y jamás revendieron
ninguno. Entre estas magníficas joyas culturales se encuentran, entre
otros, el cuadro de Picasso “Instrumentos de música para
velador”, valorado en 30 millones de euros, así como de
otros grandes artistas como Goya, Degas o Gauguin. Unas de las
piezas que más ha sorprendido de esta colección ha sido una
cabeza de rata y otra de conejo hechas en bronce y que eran
una pieza fundamental del palacio de verano del emperador Quianlong, al
noreste de Pekín. El gobierno chino está intentando recuperarlas aunque,
de momento, será un tribunal de París el que deliberará si
debe ser subastado como el resto de objetos personales del
diseñador. La subasta corrió a cargo de la prestigiosa
casa Christie´s y se celebro en el
Grand Palais de París. Allí ha estado expuesta durante todo el fin de
semana, atrayendo a todo tipo de curiosos, coleccionistas y millonarios
de todo el mundo. |
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temas eróticos |
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Las escenas de martirio también
proporcionan temas eróticos. Las santas Bárbara, Cristina, Catalina y
Margarita con frecuencia fueron pintadas desnudas, azotadas por
excitados torturadores. Santa Ágata fue pintada por Sebastián del Biombo
(1520; Florencia, Pitti) con dos hombres arrancándole los pezones con
tenazas. Los patrones homosexuales con frecuencia encargaban el Martirio
de San Sebastián . Los ejemplos del Sodoma (1525; Florencia, Pitti) y
Guido Reni (Roma; Museo Capitolino) muestran unos bellos e idealizados
desnudos masculinos atravesados por flechas y luchando por liberarse, al
tiempo que miran hacia arriba con una expresión que mezcla la agonía con
el éxtasis. La homosexualidad estaba condenada por la doctrina
cristiana, pero tales artistas, como Perugino y Sodoma fueron capaces de
ocuparse de tales intereses. Quizás el más significativo icono
homosexual fue el David de Miguel Ángel (1501-04; Florencia). |
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duques de
Sutherland |
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DUQUE DE SUTHERLAND:
El duque de Sutherland posee la que es quizás la mejor colección
privada de obras de maestros antiguos del mundo. Pese a haber
vendido la "Venus Anadyomene (Venus saliendo del agua)" de
Tiziano a la Galería Nacional de Escocia en 2003, todavía
conserva otros dos magistrales Tizianos, -" Diana y Calixto" y "
Diana y Acteón"- además del maravilloso Autorretrato de
Rembrandt, pintado en 1657, que es, posiblemente, la más
importante obra de un maestro antiguo todavía en manos privadas;
la "Madonna Bridgewater" de Rafael, y la serie entera de "Los
Sacramentos" del maestro francés Nicolas Poussin. Las
críticas se han visto favorecidas por el hecho de que los duques
de Sutherland no han gozado nunca de buena prensa en Escocia.
El propio Carlos Marx dedicó, en 1853, un artículo muy crítico a
la forma en que esa familia aristocrática se había enriquecido
expropiando a la población autóctona escocesa y gaélica.
La última usurpación se produjo en 1811, escribió Marx en el
periódico 'The People's Paper', con la transformación de la
propiedad (comunal) del clan en propiedad privada de su jefe: a
la sazón, la condesa de Sutherland y marquesa de Stafford.
Entre 1814 y 1820, la condesa decidió transformar todas las
propiedades en lugares de paso para sus ovejas, para lo cual
expulsó sistemáticamente a 3.000 familias —unas 15.000 personas—
demolió o quemó sus aldeas y convirtió sus campos en pastos,
todo ello con ayuda de los soldados británicos. La
condesa se apropió así de más de 321.500 hectáreas
que habían pertenecido al clan desde tiempos inmemoriales.
" Diana y Acteón"
El Castillo de Dunrobin está situado
en la costa este del norte de Escocia. Sede de los condes y duques de
Sutherland, este bonito castillo de influencia francesa se erige mirando
hacia el Mar del Norte. Con 189 habitaciones, es la mayor casa en el
norte de las Highlands. Una parte se remonta al siglo XIV.
Lamentablemente, cuando comenzó el levantamiento Jacobita en 1745, los
jacobitas atacaron Dunrobin por sorpresa. El conde de Sutherland escapó
por los pelos utilizando una puerta trasera. Navegó hacia Aberdeen,
donde se unió al ejército del duque de Cumberland. Hay muchas
colecciones de muebles, cuadros, obras de arte, uniformes, vajillas y
recuerdos familiares. La actual propietaria es Elizabeth Janson, condesa
de Sutherland, que heredó el castillo en 1963. Durante 7 años, a
finales de los 60 y principios de los 70, el castillo fue un internado
para chicos. Al parecer hubo algunas apariciones fantasmales allí.
Los jardines fueron diseñados en 1850 por Barry, el arquitecto que
construyó la extensión victoriana de Dunrobin, y también el Parlamento
de Londres. |
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La Casa de Alba de Tormes |
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CASA DE ALBA:
La Casa de Alba de Tormes es una
casa
nobiliaria
española,
originaria de la
Corona de Castilla,
cuyos orígenes se remontan al
siglo XIV.
Su nombre proviene del
ducado de Alba de Tormes,
título con
Grandeza de España
que ostenta su jefe o cabeza. Tradicionalmente el heredero del ducado
de Alba ostenta el
ducado de Huéscar.
En origen la Casa de Alba correspondió al linaje de los Álvarez de
Toledo, hasta que a la muerte sin descendencia de la
XIII duquesa de Alba,
pasó al linaje de los
Fitz-James Stuart,
duques de Berwick,
una rama ilegítima de la
Casa de Estuardo
de Escocia, en la persona de Carlos Miguel Fitz-James Stuart,
sobrino-bisnieto de Fernando de Silva y Álvarez de Toledo, XII Duque
Alba de Tormes (abuelo de la XIII duquesa). Su
importante papel histórico y gran fortuna hacen a la Casa de Alba
propietaria de una de las mejores colecciones privadas de arte de
España, conservada en más de veinte palacios y castillos repartidos
por toda la geografía española, algunos de los cuales están cedidos a
instituciones públicas para su mejor conservación y uso. A lo largo de
la historia, su posición prevalente les ha permitido relacionarse con
lo más granado del mundo de las artes y las letras españolas. La
impresionante colección de la Casa de Alba en el Palacio de Liria,
Madrid, hoy propiedad de la duquesa Cayetana Fitz-James Stuart, XVIII
Duquesa de Alba, incluye obras de Fra Angelico ("La Virgen de la
granada"), Tiziano ("La última cena"), Velázquez ("La infanta
Margarita"), El Greco, Veronés, Correggio, Rubens, un "Paisaje con
fortín" de Rembrandt, y varios Goyas, destacando el Retrato de la
Duquesa de Alba pintado en 1795. En los últimos años la duquesa ha
añadido obras de autores modernos como Picasso o Chagall. Cayetana de
Alba posee más títulos que ningún otro noble en el mundo: es cinco
veces duquesa, dieciocho marquesa, diecinueve condesa, condesa-duquesa
y baronesa, además de ser catorce veces
Grande de España.
La infancia de Cayetana fue algo triste, como ella misma lo ha
confesado. Su madre, la Duquesa de Aliaga, murió cuando Cayetana tenía
8 años tras una agonía al estar enferma, tísica, algo que en aquella
época era muy peligroso. Para que no hubiese contagio casi no le
dejaban ver a su madre, por lo que tiene vagos recuerdos de ella. Sin
embargo, su padre, el XVII Duque de Alba, estuvo muy cerca de ella, y
fue el quien la introdujo en el mundo de las artes y el conocimiento.
Cayetana se casó por vez primera el
12 de octubre
de
1947
con Pedro Luis Martínez de Irujo y Artacoz (1919-1972),
hijo de los
Duques de Sotomayor,
en una boda de gran repercusión social que el periódico Liberation
calificó como «la boda más cara del mundo» en su época, cada uno de
los cuales posee un título nobiliario con
Grandeza de España.
Después de enviudar,
la duquesa se volvió a casar el
16 de marzo
de
1978
con Jesús Aguirre y Ortiz de Zárate (1937
-
2001),
doctor en
Teología,
cuya condición de ex-sacerdote
jesuita
causó polémica en su momento. Jesús era un hombre culto, once años
menor que la duquesa, que se llevó bien con los hijos de ésta desde el
principio. Desde su matrimonio se dedicó, con la ayuda de su hijastro
Carlos, a gestionar el patrimonio familiar de los Alba.
Cayetana vivió durante la
Segunda Guerra Mundial en
Londres, debido a que su padre era embajador de España en la capital
británica, viviendo en carne propia la serie de bombardeos que
afectaron a la ciudad. A los 16 años estudiaba en la misma ciudad,
teniendo como compañero de clases a un hijo de
León Tolstoi, entre otros
compañeros de diversas partes del mundo, hijos de diplomáticos.
En varias ocasiones estuvo de visita en la casa de su pariente
Winston Churchill, en donde
por protocolo la hijas de éste la reverenciaban.
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Botticelli, Sandro (1445-1510) |
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Botticelli, Sandro (1445-1510), uno de los pintores
más destacados del renacimiento florentino. Desarrolló un estilo
personalísimo, caracterizado por la elegancia de su trazo, su carácter
melancólico y la fuerza expresiva de sus líneas. Nació en
Florencia, hijo de un curtidor, y su verdadero nombre era Alessandro
di Mariano Filipepi. El apelativo por el que se le conoce (diminutivo
italiano de la palabra botijo) era probablemente el apodo de su
hermano mayor o el nombre del orfebre del que fuera aprendiz. Más
tarde fue discípulo de Fra Filippo Lippi. Trabajó con el pintor y
grabador Antonio del Pollaiuolo, del que aprendió el dominio de la
línea, y también recibió gran influencia de Andrea del Verrocchio.
Hacia 1470 Botticelli ya tenía su propio taller. Dedicó casi toda su
vida a trabajar para las grandes familias florentinas, especialmente
los Medici, para los que pintó retratos, entre los que destaca su
Retrato de Giuliano de Medici (1475-1476, Galería Nacional de
Arte, Washington, D.C.). La adoración de los Magos (1476-1477,
Galería de los Uffizi, Florencia) no fue encargo de los Medici pero en
él pintó a los personajes con rasgos muy parecidos a los de dicha
familia. Como integrante del brillante círculo intelectual y artístico
de la corte de Lorenzo de Medici, Botticelli recibió la influencia del
neoplatonismo cristiano de ese círculo, que pretendía conciliar las
ideas cristianas con las clásicas. Esa síntesis se expresa en La
primavera (c. 1478) y en El nacimiento de Venus
(posteriores a 1482), dos obras realizadas para una de las villas de
la familia Medici, que hoy se hallan en la Galería de los Uffizi y
que, probablemente, son las obras más conocidas de Botticelli. Aunque
los expertos no han llegado a un acuerdo definitivo sobre la
interpretación de estos dos cuadros, sus elegantes personajes, que
forman diseños lineales abstractos bañados por una suave luz dorada,
podrían representar a Venus como símbolo del amor tanto cristiano como
pagano. Dentro de este ámbito profano también destaca la serie de
cuatro cuadros Nastapio degli Honesti (Museo del Prado,
Madrid), donde recrea una de las historias del Decamerón, de
Boccaccio. Botticelli también pintó temas religiosos,
principalmente tablas de Vírgenes, como La Virgen escribiendo el
Magnificat (década de 1480), La Virgen de la granada
(década de 1480) y La coronación de la Virgen (1490), todas
ellas en los Uffizi, y Virgen con el niño y dos santos (1485,
Staatliche Museen, Berlín). Entre sus otras obras de tema religioso
destacan San Sebastián (1473-1474, Staatliche Museen) y un
fresco sobre San Agustín (1480, Ognissanti, Florencia). En 1481
Botticelli fue uno de los artistas llamados a Roma para trabajar en la
decoración de la Capilla Sixtina del Vaticano, donde pintó los frescos
Las pruebas de Moisés, El castigo de los rebeldes y
La tentación de Cristo. En la década de 1490, cuando los
Medici fueron expulsados de Florencia y el monje dominico Girolamo
Savonarola predicaba la austeridad y la reforma, Botticelli sufrió una
crisis religiosa, aunque no abandonó la ciudad, donde moriría el 17 de
mayo de 1510. Sus obras posteriores, como la Pietà (principios
de la década de 1490, Museo Poldi Pezzoli, Milán) y sobre todo la
Natividad mística (década de 1490, National Gallery, Londres) y la
Crucifixión mística (c. 1496, Fogg Art Museum, Cambridge,
Massachusetts) expresan una intensa devoción religiosa y un retroceso
en el desarrollo de su estilo. El nacimiento de Venus (c.
1482) de Sandro Botticelli es una alegoría que representa el amor
cristiano y el pagano. A la derecha de la composición se encuentra
representada la Tierra o la Primavera que acude a cubrir a la delicada
Venus con un manto. A la izquierda, entrelazados en un abrazo,
aparecen Céfiro y Cloris. |
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La Maja Desnuda |
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La Maja Desnuda es la primera figura
femenina que muestra el vello púbico, poniendo de manifiesto su
originalidad.
También se apunta
la posibilidad legendaria de que
la Maja sea la
Duquesa de Alba, Doña María del Pilar Teresa Cayetana de
Silva y Álvarez de Toledo, a quien Goya estaba
estrechamente unido desde que enviudó ésta y se
trasladaron juntos a Sanlúcar de Barrameda. Bien es cierto que su
rostro no corresponde al de las Majas, pero es evidente que los
rostros son estereotipados, como ya hacía en los cartones para tapiz,
precisamente para que no fuera reconocida. La postura provocativa de
la Maja podría incluso sugerir que se trata de una prostituta de alto
postín, que se ofrece al mejor postor. La mirada pícara y atrayente
puede reforzar esta idea. La Inquisición mandó comparecer a Goya ante
sus tribunales por haber pintado las Majas y los Caprichos, pero
curiosamente el asunto fue sobreseído gracias a la intervención de un
personaje poderoso, quizá el Cardenal don Luis de Borbón o, en último
término, el propio Fernando VII, con quien el pintor no mantenía muy
buenas relaciones.
Goya fue muchas cosas en una sola vida, desde el cotizado pintor
de los aristócratas de cámara real hasta el espantado cronista
de las miserias humanas. Goya conoce en 1794 a la duquesa de
Alba.
Mucha tinta ha corrido sobre la relación amorosa de estos dos
personajes. Es significativo que la duquesa le invitase a
veranear con ella, y que la retratase en diversas ocasiones en
situaciones íntimas, se cree que inspiro al artista para
realizar la Maja vestida y la Maja Desnuda, pero nada se puede
probar. El 23 de julio de 1802 muere a los 40 años la duquesa de
Alba. El 6 de febrero de 1799, Goya termina una serie de 80
grabados, llamada los Caprichos, que vende a 320 reales. Goya,
en esta serie, hace algunas referencias a la duquesa y la reina.
Aquella es representada como una mujer caprichosa e inconstante
en el amor. Por esta razón, principalmente, la Inquisición manda
retirar estas estampas. En 1798, Goya pinta los frescos del
interior de la ermita de San Antonio de la Florida, a orillas
del Manzanares, Los famosos murales de Goya están situados en la
cúpula de esta ermita. Por fin, en octubre de 1799, Goya es
nombrado primer pintor de la Corte.
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coleccionistas de
arte más activos del mundo |
 Paul Allen, Debbie y
Leon Black. Paul Allen, nacido en enero de 1953, fué junto a
Bill Gates el creador de Microsoft. En 1983 tuvo que abandonar la
firma debido a que se le diagnosticó la enfermedad de Hodgkin, la cual
superó después de muchos meses de tratamiento y un transplante SDF de
médula ósea. No obstante ello, sigue siendo socio del gigante del
software con un importante paquete accionario. En 1.986 Allen crea la
firma Vulcan Northwest Inc. en Washington, la cual se dedica a
financiar proyectos y empresas. Capital Ventures le dicen.
, Edythe L.
y Eli Broad (con negocios inmobiliarios y financieros y una fundación
dedicada al arte), Steven Cohen (productor audiovisual), Doris y
Donald Fisher (dueños de la marca de ropa Gap), Ronnie y Samuel Heyman
(congresista y propietario de una empresa química), Marie-Josée y
Henry R. Kravis (propietario de Kohlberg Kravis Roberts, una empresa
de inversiones, accionista de Gilette) Evelyn y Leonard Lauder, Jo
Carole y Ronald S. Lauder, y Francois Pinault. Al comparar la lista de
Forbes con la de Art News se aprecian algunas diferencias,
especialmente la ausencia en ésta última del dueño de Microsoft, Bill
Gates (está entre los 200), aunque sí aparece, en cambio, su socio Paul Allen, que en Forbes también ocupaba un lugar destacado. Otros
personajes que aparecen en las dos listas son el francés Francois
Pinault y los miembros de la familia Lauder. Se echa en falta, en
cambio, a otros como
Gustavo Cisneros,Achile Maramontti, etc, que
estaban en la lista de Forbes y que no aparecen en la de Art News,
probablemente porque la primera se refería a colecciones y la segunda
a los coleccionistas más activos. Otros famosos entre los 200
coleccionistas de arte más activos del mundo son Elton John y
Jack
Nicholson. |
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Chelsea Román Abramóvich |
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El hombre de
negocios ruso dueño del Chelsea Román Abramóvich lidera el ranking de
los 10 coleccionistas más activos del mundo. Otro ciudadano ruso, el
oligarca Oleg Baibakov, que fundó junto a su hija María la galería de
arte Baibakov Art Projects, fue incluido en la versión completa de la
lista, que reúne a los 200 coleccionistas más famosos. El ranking fue
preparado por la revista ARTnews a partir de diferentes sondeos
realizados a numerosos coleccionistas, expertos de las casas de
subastas y directores de museos de 22 países del mundo. Román
Abramóvich, que desde el año 2008 compra valiosas obras de los
pintores más caros del mundo y que ayuda a su pareja Daria Zhukova a
mantener en Moscú el Centro de Arte Contemporáneo Garazh, es seguido
principalmente por los estadounidenses: por el financiero Leon Black y
su esposa Debra, los filántropos Edythe y Eli Broad, el dueño del 'hedge
fund' SAC Capital Partners Steven Cohen y su esposa Alexandra, y por
el aficionado a la escultura y dueño del museo Glenstone, Mitchell
Rales. Los coleccionistas más activos de Europa son los franceses: el
presidente del grupo LVMH (Louis Vuitton y Moët Hennessy), Bernard
Arnault, y el empresario François-Henri Pinault. |
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la colección de
arte más importante de la Argentina |
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Herencia de familia. Pero a la hora de
determinar cuál es la colección de arte más importante
de la Argentina, los nombres que suenan casi de manera indiscutida
son los de Nelly Arrieta y Carlos Pedro Blaquier.
Separados desde hace varios años (aunque no
divorciados, lo que evitó que la colección se dividiera), Nelly
Arrieta –presidenta desde hace treinta años de la
Asociación de Amigos del Museo Nacional de Bellas Artes–
vive en uno de los cuatro pisos que su familia posee en un lujoso
edificio frente a la Plaza San Martín.
Los Blaquier
tienen repartida su colección entre la residencia del barrio de
Retiro, el campo de la familia en la ciudad de Lobos y que
bautizaron La Biznaga, y un palacete en San Isidro, en donde
Carlos Pedro suele organizar fiestas y recepciones, llamado La
Torcaza. “ Los Blaquier tienen varias colecciones
separadas”, dice un conocido de la familia, que pide
mantenerse en el anonimato: “ Poseen una colección muy
importante de armas antiguas, otra de platería criolla y de
platería francesa del siglo XVIII, otra de bronces del
Renacimiento y también arte precolombino. Dentro de su colección
de arte, quizá lo más importante sean los cuadros impresionistas,
entre los que hay joyas de Gauguin, Degas, Rendir y Monet.”
Reacios a mostrar su colección a personas
ajenas a su círculo íntimo, los Blaquier (que han amasado una de
las fortunas más grandes de la Argentina gracias al
ingenio azucarero Ledesma, en Jujuy, empresa que Nelly
heredó de sus padres y que su ex esposo dirigió durante décadas)
son también dueños de una impresionante colección de
arte rioplatense del siglo XIX, con obras de artistas
“viajeros” como el alemán Rugendas, los
franceses Pallière y Monvoisin, y
acuarelas costumbristas sobre la primitiva Buenos Aires del inglés
Emeric Essex Vidal. En lo que hace a arte
argentino del siglo XX, es famosa su colección de pinturas de
Emilio Pettoruti, una de las confesadas
debilidades tanto de Carlos Pedro y de Nelly Arrieta como de sus
cinco hijos. Algo que quedó a la vista cuando ella organizó a
fines de 2004, en el Museo Nacional de Bellas Artes, la
mayor retrospectiva sobre la obra de Pettoruti
hasta el presente, en la que varios de los cuadros de su colección
privada (entre ellos, el Quinteto)
fueron expuestos al público. |
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El sueño del museo propio
Eduardo Costantini |
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El sueño del museo propio.
Con un perfil mucho más alto que el de los Blaquier,
Eduardo Costantini
es seguramente (junto a Amalita Fortabat) el coleccionista de arte más
reconocido de la Argentina. Prototipo del
self-made man, Costantini pasó de ganar sus primeros pesos
vendiendo bufandas y chalecos tejidos en los 70, a bordo de un Citroën
por la avenida Santa Fe, a amasar una fortuna gracias a inspiradas
maniobras financieras y exitosos emprendimientos inmobiliarios. Así, en
la década del 80, comenzó a comprar obras de arte sin sospechar que su
afán por coleccionar (que se iría convirtiendo en una auténtica pasión)
desembocaría en la creación del Museo de Arte
Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA). “
Empecé a coleccionar cuando tenía 24 años, y fue algo que se dio
espontáneamente. Un día pasé por una galería y vi un Berni que me gustó
mucho, pero que no me pude comprar entonces, y ahí nomás me decidí a
comprar un par obras de otros dos artistas que no eran tan caras”,
recuerda el empresario en su charla con PERFIL. “ Recién a
mediados de los 90 empecé a coleccionar con una estrategia institucional
comprando obras que, en algunos casos, no tenían tanto que ver con mis
gustos, pero que yo consideraba que debían formar parte de la colección
de un museo.” En el MALBA –donde está “ la
que hoy es la colección de arte latinoamericano más importante del mundo”,
según afirma Costantini con orgullo inocultable–, hay colgadas obras
maestras como Manifestación
de Antonio Berni, el
Retrato de Ramón Gómez de la Serna
de Diego Rivera,
el Autorretrato
con mono y loro
de Frida Kahlo (adquirido en 1995
por la friolera de tres millones de dólares), y
Abaporu , el óleo de
1928 de la brasileña Tarsila do Amaral, que –al
decir del empresario– es “la obra más importante de la
historia del arte brasileño”, una pieza por la que ya ha
recibido dos ofertas millonarias en lo que va del año (una de ellas de
“un grupo de empresarios brasileños, dispuestos a repatriar el cuadro a
toda costa”), de las tantas que Costantini confiesa haber recibido ya
por esta obra. Casado desde hace un año con una joven brasileña casi
treinta años menor que él (llamada Clarise), y afincado en Nordelta (el
espectacular country que construyó en el Tigre), en una casa de lujo en
la que dice tener colgadas varias obras del argentino León
Ferrari, Costantini se ha dedicado en estos últimos años
(luego de que el grueso de su colección fue a parar al MALBA) a
diversificar sus compras como coleccionista. “
Después de montar el museo, las paredes de mi casa quedaron casi
vacías. Y aunque seguí comprando arte latinoamericano y argentino,
empecé a interesarme más por adquirir obras contemporáneas de artistas
internacionales.” |
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Amalia Lacroze
de Fortabat |
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Otra que también
cumplirá en breve el sueño de tener el museo propio es la ex
dueña de la cementera Loma Negra, Amalia Lacroze de
Fortabat. Un museo cuyo edificio,
diseñado por el arquitecto Rafael Viñoly,
está en pie en el dique 4 de Puerto Madero desde 2001, pero que
por distintas razones –financieras, sobre todo– aún no se ha
podido terminar. Si todo sale como está previsto, lo que se
podrá ver cuando el museo abra sus puertas en marzo
de 2008 es la colección de arte argentino que la
empresaria ha atesorado durante más de 30 años, con obras de los
pintores viajeros de principios del s. XIX (Monvoisin,
Vidal, Revol, Pallière), joyas como
Los capataces de Prilidiano
Pueyrredón, y obras de Xul Solar,
Pettoruti, Berni, Alberto Greco, García Uriburu y Macció,
ya dentro de lo que es el siglo XX. Lo que no se integrará
al acerbo del museo, por la sencilla razón de que éste estará
dedicado al arte argentino, es el famoso cuadro que Amalita
posee de Joseph Turner (el célebre
artista inglés que vivió en la primera mitad del siglo XIX, y
que es considerado el máximo exponente del
romanticismo) o las gemas firmadas por
Van Gogh, Renoir y Gauguin que tiene repartidas
entre su casa de la Avenida del Libertador y su penthouse
neoyorquino. Se rumorea, no obstante, que el retrato
que Andy Warhol le realizó a la
empresaria a comienzos de los 80 sí formará parte de la
colección, y que muy posiblemente inaugurará el recorrido. |
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Alejandro
Bengolea nieto de Amalia Lacroze de
Fortabat. |
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El que le ha
seguido los pasos a Amalita en el mundo del coleccionismo es
Alejandro Bengolea , su único
nieto varón, en cuyas manos cayó la dirección del
holding empresarial de la familia en el peor momento de la crisis
(entre 2000 y 2002), hasta que su abuela, disconforme con su
desempeño, lo desplazó del cargo. Pero Bengolea, a diferencia del
perfil de su abuela, forma parte de una nueva camada
de coleccionistas que irrumpieron a principios de los
90 (ver recuadro), interesados sobre todo en el arte
argentino más contemporáneo, y de la que
Mauro Herlitzka (54) es uno de sus exponentes más
perspicuos. Presidente de arteBA Fundación
desde hace tres años, impulsor de la Fundación Espigas
(un centro de documentación sobre arte), Herlitzka nació en una
familia de coleccionistas, inició una colección de
monedas a las 11 años, y a los 18 ya
estaba comprando arte europeo, con una especial
predilección por el barroco italiano. Una colección que él armó
durante años, pero de la que asegura haberse desprendido. “
Yo soy dueño de mi colección, no la colección de mí”,
desliza antes de aclarar que vender sus obras europeas de los
siglos XVI, XVII y XVIII le permitió comprar mucha obra de
artistas argentinos contemporáneos, y también (aunque en menor
grado), de artistas internacionales. |
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la Mona Lisa |
Leonardo da Vinci
tardó más de tres años en pintar la
Mona Lisa, la joven tercera esposa del rico mercader florentino,
Francesco del Giocondo, que le encargó el retrato, aunque se desesperó
por la larga espera y se negó a pagar el cuadro que aún estaba sin
terminar. Compró la pintura Francisco I, no se sabe si
directamente a Leonardo durante su estancia en Francia, o a su muerte
dirigiéndose a sus herederos. Este cuadro permaneció en las colecciones
reales desde principios del siglo XVI hasta la creación del
Museo Central de las Artes en el Louvre en 1793. Fue conservado en
Versalles bajo Luis XIV.Como si no tuvieras todas las otras
cosas en su favor, Leonardo da Vinci fue descrito por gente que se le
conoció como "el hombre más bello que vivió jamás.
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paisaje impresionista |
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El
paisaje impresionista por excelencia tiene ciertas características
identificables: es de tamaño pequeño e irregular en cuanto a la
composición, y por lo general en su mayor parte se realizaba al aire
libre; sus colores son casi siempre brillantes y contrastantes, la
pincelada libre e intuitiva. El
impresionismo se presenta como una prolongación del realismo. Nace bajo
su influencia y adopta, como él, los temas de la vida cotidiana. Se
sitúa en la cumbre de los estudios pictóricos sobre la luz que se vienen
llevando a cabo desde el renacimiento, y propone cuadros luminosos en
antitesis con los sepias consagrados por la tradición.
Prefieren enfocar los momentos gratos de la vida como son los placeres:
jardines, fiestas,paeos, restaurantes,baños. También
tratan de capturar "el momento". El impresionismo solo pretende
transmitir la impresión del pintor. Es por lo tanto subjetivo, a la
diferencia del realismo.
consideran generalmente
como iniciadores Manet y
Monet.
Los siguen, entre otros,
RENOIR,
DEGAS,y Toulouse Lautrec. Tambien
Cezanne, Gauguin
y Van Gogh.. |
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Pigmalión |
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El Escultor enamorado:
Pigmalión, escultor de Chipre, tenía un ideal de mujer que nunca
encontró, por lo que se quedó soltero. El escultor decidió emprender la
creación de una escultura que simbolizara el ideal de la belleza
femenina, compendio de todas las gracias y que reflejara las cualidades
de belleza, armonía, nobleza, sensibilidad, ternura que él buscaba...
Decidió tallarla en marfil y trabajó noche y día sin descanso hasta que
terminó una escultura tan perfecta, que reflejaba todo lo que buscaba.
Inevitablemente, se convirtió en una obsesión para el, enamorándose de
la estatua. Desesperado, pidió ayuda a Afrodita, Diosa de la Belleza,
quien , admirada de la obra maravillosa que había realizado y conmovida
por el sufrimiento del escultor, decidió dar vida a la estatua, que fue
bautizada con el nombre de Galatea. Galatea se unió en matrimonio con
Pigmalión viviendo felices el resto de su existencia. Esta leyenda nos
recuerda la búsqueda sin desmayo de un ideal, aparentemente imposible,
pero que con determinación (y algo de ayuda divina) puede llegar a
alcanzarse. Los limites no existen, se los marca uno mismo.
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La escultura barroca |
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La escultura barroca está caracterizada por la
búsqueda del movimiento, el contraste entre las diversas superficies a
la hora de buscar efectos lumínicos y la integración en la arquitectura
para obtener intensidad dramática. Abundará la escultura religiosa al
servicio de la devoción, pero también encontramos estatuas mitológicas,
retratos y escultura funeraria. Bernini es el gran genio de este estilo
y su Extasis de Santa Teresa su obra maestra, mostrándonos de manera
exquisita la visión de la santa. La Beata Ludovica Albertoni y la Fuente
de los Cuatro Ríos son otras de sus magníficas obras. En la corte
francesa encontramos una escultura adaptada a los dictados de la
Academia, siguiendo las reglas clásicas e interpretándose de manera
clara. Coysevaux y Girardon son los maestros más destacados. La
escultura española en el Barroco está centrada en lo religioso, buscando
el dramatismo y el realismo en las estatuas. La madera es el material
más utilizado, empleando policromía e incluso postizos como cabello
natural u ojos de cristal. En el foco castellano destaca la figura de
Gregorio Fernández, autor que evoluciona desde el idealismo y la
elegancia del manierismo hasta formas naturalistas y dolientes. En la
escuela sevillana encontramos a Juan Martínez Montañés, artista que
valora la anatomía y logra captar la belleza natural, cargada de
serenidad, tensión y fuerza interior. Alonso Cano es el gran escultor de
la escuela granadina y sus figuras se caracterizan por la gracia y el
exquisito cuidado de la talla. Pedro de Mena también es granadino y
realiza esculturas que rozan el misticismo, siendo uno de los maestros
más hábiles en el trabajo de la madera. La escultura barroca española se
culmina con Francisco Salzillo, quien pone en práctica una escultura
cargada de dinamismo y sentimiento, destacando sus sencillas figuras
para belén. |
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arte gótico |
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Descubrir los presupuestos geométricos, matemáticos
y arquitectónicos del arte gótico para que éste floreciera en Europa
se suele enumerar como uno más de los pretendidos fines ocultos de la
orden. Aunque aparece más como una consecuencia de la labor templaría
que una finalidad en sí, lo cierto es que el arte gótico surgió en
Europa a partir del establecimiento de la orden en Tierra Santa y que
en unos pocos años —excesivamente pocos para las dificultades técnicas
y financieras de un continente asolado por el hambre, la carestía y
las guerras continuas— se alzaron al cielo las agujas de un arte
arquitectónico concebido con un criterio eminentemente espiritual: de
1150 a 1220 se construyeron la mayoría de las catedrales góticas
francesas, muchas de ellas de considerables dimensiones (Reims, Rúan,
Chartres, París entre otras). En ellas se ha querido ver —sobre todo
en la de Chartres— el medio en el que se ha depositado toda una
tradición oculta y una sabiduría ancestral: en sus capiteles y
gárgolas, en sus símbolos tallados en la piedra, en sus medidas y
proporciones, en la disposición de sus espacios, sus galerías y sus
torres, en la altura de sus agujas y campanarios se ha pretendido leer
todo un código que, según algunos autores, procede de los antiquísimos
saberes que la humanidad ha guardado celosamente en escondidas
tradiciones y a los que quizá accedieron Salomón, Moisés y otros
grandes jerarcas y sabios de la Antigüedad. Y, por qué no, también los
templarios.El arte gótico se inició en la Ile-de-France a
mediados del siglo XII. Por decirlo de alguna manera su "introductor"
fue el abad Suger, que viendo que su abadía Saint-Denis (san Dionisio),
de estilo carolingio, debía ser reformada fue el primero en introducir
elementos góticos en su restauración (1137-1140). Por lo que
respecta a la influencia del arte carolingio en el gótico, a mi entender
fue poco o nada influyente. Aunque cercanos los dos estilos en el
tiempo, la arquitectura gótica es mucho mas vertical y transparente, en
cambio la carolingia se acercaba mas a la arquitectura romana. En donde
creo que se tocan un poco es en el tema de la escritura. La gótica
surgió como variación necesaria de la carolingia. Las catedrales goticas
se iniciaron en Ile-de-France, Francia. 140 catedrales se
construyeron solo en Francia. Muchas están destruidas. |
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Castillo de Chambord |
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El rey francés Francisco I no podía imaginar que
el majestuoso Castillo de Chambord, que ordenó construir a los 25
años, serviría de refugio de obras de arte durante la Segunda
Guerra Mundial, entre ellas, la conocida 'Gioconda'.La exposición
'Otages de Guerre. Chambord 1939-1945',
recupera el recuerdo de aquellos años de ocupación, resistencia y
liberación de Francia, durante los cuales el castillo actuó como
centro de coordinación para la salvaguarda del patrimonio.
Por él pasaron el tapiz de 'La Dama del Unicornio',
el pastel 'Madame de Pompadour' o varios
dibujos de Pisanello y Leonardo da Vinci, incluida 'La
Gioconda'. La obra maestra del
renacentista italiano, arquitecto oficial de Chambord bajo el
mecenazgo de Francisco I, llegó a ser albergada en este castillo
cercano al río Loira hasta en tres ocasiones durante el conflicto
bélico. |
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El Shunga |
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El Shunga es la escuela de arte
erótico japonés que narró, desde el siglo XVII hasta el XIX, la más
fina técnica amatoria para hombres y mujeres. Sus impresiones
ilustraban los "libros de almohada". Estos pequeños manuales, se
guardaban dentro de las tradicionales cajas laqueadas, bajo la
almohadilla. Los amantes solían intercambiarlos, y también eran
considerados excelentes regalos de bodas. Con la apertura del Japón
hacia Occidente y el contacto con la cultura Victoriana, fue
catalogado como "pornográfico" y se prohibió oficialmente en 1853.
El sexo en el arte no era más
que la representación de una función natural, acaso el mayor placer
del hombre.
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Rafael (1483-1520) parte 1 |
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Rafael (1483-1520), pintor renacentista
italiano considerado como uno de los más grandes e influyentes
artistas de todos los tiempos. Su nombre completo era
Rafael Sanzio (o Santi)
de Urbino. Nació en Urbino y su primera formación la adquirió de su
padre, el pintor Giovanni Santi. Según la opinión de muchos
historiadores del arte, también estudió con Timoteo Viti en Urbino y
realizó bajo su influencia numerosas miniaturas, dentro de una
atmósfera delicada y poética, como en Apolo y Marsias (Museo
del Louvre, París) y El sueño del caballero (1501, National
Gallery, Londres). En 1499 se trasladó a Perugia, en Umbría, y se
convirtió en pupilo y ayudante del pintor Perugino. Durante este
periodo realizó obras en un estilo muy próximo al de su maestro, hasta
el punto de que han existido dudas respecto a algunas atribuciones.
Entre las obras de Rafael realizadas en Perugia destacan dos grandes
composiciones: Los desposorios de la Virgen (1504, Brera,
Milán, obra pintada ya en Florencia) y la tabla del retablo de Città
di Castello, en la que representa la Crucifixión con dos
ángeles, la Virgen y los santos Jerónimo, Magdalena y Juan Evangelista
(1503, National Gallery, Londres). En 1504, Rafael se trasladó a
Florencia, donde estudió la obra de reconocidos pintores
contemporáneos suyos, como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Fra
Bartolommeo, de quienes aprendió sus métodos de representación de
luces y sombras, sus estudios anatómicos y actitudes dramáticas. En
esta época cambió su forma de pintar, basada en las composiciones
geométricas y el interés por la perspectiva, hacia unas maneras más
naturales y suaves. Su evolución durante el periodo florentino puede
seguirse a través de sus numerosas madonnas (vírgenes). El
primer ejemplo es la Madonna del Granduca (1504-1505, palacio
Pitti, Florencia). Ejemplos posteriores muestran la influencia de
Leonardo en la expresión de serenidad y en los esquemas compositivos
triangulares y equilibrados, como es el caso de La bella jardinera
(1507-1508, Museo del Louvre, París) y La Virgen del jilguero
(1505, Galería de los Uffizi, Florencia). La última de las vírgenes
florentinas, la Madonna del baldaquino (1508, palacio Pitti,
Florencia), forma parte de un retablo y se asemeja estilísticamente a
la obra de Fra Bartolommeo. |
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Rafael (1483-1520) parte 2 |
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Los encargos más importantes que Rafael
recibió durante su estancia en Florencia procedían de Umbría. Su
composición más original en este periodo es el Entierro de Cristo
(1507, Galería Borghese, Roma). Forma parte de un retablo y muestra la
fuerte influencia de Miguel Ángel en la disposición y actitudes de los
cuerpos y en el tratamiento anatómico de los mismos. En
1508 Rafael se trasladó a Roma, requerido por el papa Julio II, quien
le encarga la decoración mural de cuatro pequeñas stanze
(habitaciones) en el palacio de la Ciudad del Vaticano. En el techo de
la primera de ellas, la Stanza della Segnatura (1509-1511),
están pintadas las alegorías de la Teología, la Filosofía,
la Poesía y la Justicia, respondiendo a un programa
iconográfico elaborado e intelectualizado. En una de las paredes, bajo
la teología, se sitúa La disputa del sacramento, que
representa la discusión del dogma de la Trinidad. La escuela de
Atenas, situada debajo de la Filosofía, representa un
espacio arquitectónico abierto donde Platón, Aristóteles y otros
filósofos discuten y argumentan. Bajo la Poesía se encuentra el
célebre Parnaso, en el que el dios Apolo aparece rodeado por
las musas y los grandes poetas. Por último, bajo la Justicia,
se puede observar el fresco Gregorio IX aprobando los Decretales.
La segunda estancia, la Stanza d´Heliodoro (1512-1514), pintada
por Rafael y sus discípulos, contiene escenas que representan el
triunfo de la Roma católica sobre sus enemigos. Tras la muerte
del papa Julio II en 1513 y el ascenso de León X aumentan la
influencia y las responsabilidades de Rafael. Se le nombra maestro
mayor de la basílica de San Pedro en 1514, y un año después se le pone
al frente de la dirección de todas las excavaciones arqueológicas en
Roma y alrededores. Debido a sus numerosas actividades, sólo consiguió
pintar parte de la tercera stanza del palacio del Vaticano, la
del Incendio del Borgo (1514-1517). El resto es obra de sus
ayudantes. De igual forma, para la cuarta cámara, la sala Constantina,
simplemente realizó los bocetos preparatorios. Durante este periodo
también diseñó diez tapices con los hechos de los apóstoles destinados
a la Capilla Sixtina. Esos cartones o dibujos se encuentran en la
actualidad en el Museo Victoria y Alberto de Londres. Rafael también
proyectó la arquitectura y decoración de la capilla Chigi en la
iglesia de Santa Maria del Popolo y la decoración de la villa
Farnesina, que incluye el Triunfo de Galatea (c. 1513).
Además de estas empresas mayores, ejecutó cierto número de pinturas de
caballete, entre las que destacan el retrato de Julio II (1511-1512);
series de vírgenes, como la Madonna Sixtina (c. 1514,
Gemäldegalerie, Dresde), y otras pinturas religiosas, como la
Transfiguración (1517-1520, Vaticano), completada tras su muerte
por el más notable de sus discípulos, Giulio Romano. Rafael murió en
1520 en Roma, cuando sólo contaba 37 años. |
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El
misterio de la Mona Lisa |
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El
misterio de la Mona Lisa. Una
neurocientífica de la Universidad de Harvard publicó una carta
haciendo referencia a sus estudios del cuadro. Según la
investigadora, la famosa sonrisa que parece asomarse en la cara de
la retratada es una ilusión óptica, probablemente creada
deliberadamente por el maestro renacentista con la técnica del
sfumato. La doctora explica que la resolución del sistema visual
cambia según el punto en el que se centra la mirada. La visión
central está dominada por frecuencias espaciales superiores a la
visión periférica, lo cual implica una imagen menos definida. En
el cuadro de Da Vinci se observa que, al fijar la mirada en el
fondo o en las manos de la Mona Lisa, la percepción de su boca
está dominada por frecuencias espaciales bajas, con lo que parece
más risueña que cuando se mira directamente a su boca. Eso explica
el fenómeno que tanto ha dado que hablar por el cual la retratada
sonríe mientras el espectador no la mira, y su sonrisa desaparece
cuando la miramos directamente. Da Vinci
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Adele Bloch - Klimt |
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El retrato de Adele Bloch-Bauer es el
más famoso entre los pintados por Klimt y la obra maestra del llamado
“estilo dorado”. Su elaboración fue muy larga ya que existen dibujos
preparatorios fechados en 1903 pero el lienzo definitivo no se
concluyó hasta cuatro años después. En una carta fechada el 22 de
agosto de 1903 Adele dice que su esposo ha decidido que Klimt le haga
un retrato pero que empezarán después del verano.
En el retrato pintado por Klimt, la dama aparece sentada, como
si estuviera flotando en el mar de oro que forma la estancia. Viste un
vestido dorado que apenas permite distinguir su cuerpo del fondo y del
sillón, cuyo respaldo se funde entre los mosaicos.
Las influencias de la estampa japonesa las podemos encontrar en
la eliminación del espacio y la bidimensionalidad de la figura pero la
verdadera fuente de este icono la encontramos en los mosaicos
bizantinos de Ravena que Klimt había visitado en dos ocasiones en
1903. Incluso algunos estudiosos vinculan esta obra con las madonnas
italianas de época medieval, al presentar un aspecto de madre y objeto
de culto. En alguna ocasión se ha planteado una
posible relación amorosa entre Adele y Klimt, basándose en la ausencia
de sexo en el matrimonio de la dama.
GUSTAV KLIMT: “Adele Bloch-bauer”,
1907-Vendido por: 135.000.000 dólares
(107.000.000 euros). Venta privada, 2006. comprador: Ronald
Lauder.
Gustav Klimt fue famoso por el usar
oro y representar mujeres desnudas en sus
pinturas, utilizaba modelos que pertenecían a la burguesía
vienesa, pero también tenía un séquito de
mujeres prostitutas o de vida humilde que le
servían de musas. El tema que trata en la mayoría de sus cuadros
es la sexualidad femenina recorriendo el ciclo de la vida en
todas sus etapas: procreación, gestación,
infancia, juventud y vejez, salud y hermosura,
enfermedad y muerte. A Klimt le llevó tres años completar
este cuadro, que mide 138 x 138 cm y está hecho con óleo y oro
sobretela, con una ornamentación elaborada y compleja. La adquisición
de esta emblemática pintura por el magnate de
los cosméticos Ronald Lauder conmocionó el
mercado del Arte, no sólo por la espectacular cifra
pagada, sino por la manera en la que fue vendida, alejada del
ruidoso mundo de las subastas. La pintura
formaba parte de un grupo de cinco lienzos
recientemente restituidos a sus antiguos dueños, la familia
judía Bloch-Bauer, por un juzgado de Viena tras largas décadas
de espera. Los lienzos habían sido confiscados
por el ejército nazi, y pasaron a la Galería Nacional de Austria en
1948. |
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El desnudo |
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El desnudo era muy inusual en el arte
español del siglo XVII, siendo oficialmente
desaconsejada. La
Inquisición lo perseguía: las obras
podían ser confiscadas o exigirse que se pintara encima; y los autores
de obras licenciosas o inmorales podían ser
excomulgados, y multados o expulsados
de España durante un año.
Sin embargo, dentro de círculos intelectuales y aristocráticos, se
creía que los objetos de arte estaban más allá de las cuestiones de
moralidad, y había muchos desnudos, generalmente mitológicos, en
colecciones privadas. La colección real de los Austrias contenía
desnudos
mitológicos, realizados por Tiziano y
otros
artistas venecianos
renacentistas. El patrón de Velázquez,
el rey
Felipe IV, amante del arte, poseía
una serie de desnudos de Tiziano y de Rubens en su colección, y
Velázquez, como pintor del rey, no tenía necesidad de tener miedo por
pintar un desnudo.
Coleccionistas destacados, incluido el Rey, tendían a guardar los
desnudos juntos en una sala relativamente privada;
en el caso de Felipe «la habitación donde Su Majestad se retira
después de comer», que contenía poesías de Tiziano que había
heredado de
Felipe II, y los Rubens que él mismo
había encargado. |
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‘Desnudo, hojas
verdes y busto’ |
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AÑO 2011- 106,5 millones de dólares fue el valor que se pagó
por la obra ‘Desnudo, hojas verdes y busto’ de Pablo Picasso.
La pintura más cara que se ha vendido en una subasta, ‘Desnudo,
hojas verdes y busto’, de Pablo Picasso, se exhibe por primera
vez al público en la galería Tate Modern de Londres. La
obra de 1932, que se vendió por 106,5 millones de dólares en la
casa Christie’s de Nueva York el año pasado, ha sido prestada a
las galerías Tate por una colección privada y será exhibida en
una nueva sala dedicada a Picasso en la sección Poesía y Sueño.
“‘Desnudo, hojas verdes y busto’ es una de la serie de pinturas
que Picasso hizo de su musa, Marie-Thérèse Walter, realizadas
por el artista en Boisgeloup, Normandía, en los primeros meses
de 1932”, dijo Nicholas Serota, director de la Tate. “Son
consideradas de sus más grandes logros del periodo de
entreguerras”, añadió. Picasso conoció a Walter en 1927, pero
mantuvieron su relación en secreto ya que el pintor estaba
casado con Olga. Según la Tate, recién en 1931-32 comenzó
a hacer esculturas y pinturas en las que la manipulación del
cuerpo de Marie-Thérèse Walter era explícito y erotizado.
Aunque Picasso ocultó su relación con Walter, esta obra fue una
de las que mostraron abiertamente la obsesión que tenían los
amantes el uno con el otro. Antes de ser vendida, la obra había
estado en poder de los coleccionistas Sidney y Frances Brody.
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conservación
de obras de arte sobre papel
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Henri Rousseau
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GALERÍAS ARTE
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Oscar Claude
Monet (1840-1926)
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Pinturas de los Siglos 12 al 1 D.C.
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ARTE
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Características del Art
Déco
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VARIOS arte
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Pintores desde el
siglo XIV
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MAURITS
CORNELIS ESCHER (1898-1972)
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Fidias y Escultores
Griegos
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IMÁGENES DEL MUSEO DEL PRADO
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ARTE
ROMÁNTICO
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CARAVAGGIO
(c.1573-1610)
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 "Las
Meninas”,cuadro de los más famosos de
todos los tiempos, pintada en 1656, en el inventario de palacio de
1666 se titulaba “Su Alteza la Emperatriz con sus damas y un enano”.
En 1734 se la menciona como la “La familia del rey Felipe IV”, en 1750
fue salvada de un incendio que afectara al castillo real , en 1819 es
trasladada al Museo del Prado y hasta 1843 no recibió el nombre de
“Las Meninas”, cuando Pedro de Madrazo la incluye con ese nombre en el
catálogo del Museo.
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Hoy
en día se conocen
60 ejemplares antiguos de la Gioconda,
en algunos de los cuales (aparte del que hay en el Museo del Louvre)
es posible que hubiera intervenido el propio pintor; también de
Leonardo da Vinci se conservan 43 réplicas de la “Virgen de las
Rocas”, además de los dos ejemplares del Louvre y de la National
Gallery de Londres. Esto mismo se repite con muchas de obras de
Tiziano (sólo de su “Venus” se conservan 12 ejemplares), de Perugino,
Rafael, Cranach, Rembrandt, Brueghel y muchos otros. En España uno de
los pintores más imitados y copiados desde hace tres siglos ha sido El
Greco. |
La creación de Adán
es parte de un
fresco
pintado en el techo de
la
Capilla Sixtina
por
Miguel Ángel
alrededor del año 1511. La bóveda mide 36 metros de longitud por 13 de
anchura. Lo integran unas 400 figuras. En él se representa el relato
bíblico del
Génesis
en el que
Dios
otorga vida a
Adán,
el primer hombre según las religiones cristiana y judía.
A causa de la censura eclesiástica, los desnudos del Juicio Final
fueron retocados el mismo año en que murió su pintor, ya que se
acusaban de paganismo. |
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el
arte del Renacimiento, el gran movimiento
cultural nacido en Italia en el siglo XV que influyó profundamente en
la historia de la cultura y de la civilización europea, no sólo
italiana. Después de la marginalidad respectoa los proyectos de
naturaleza divina, sufrida por el hombre durante los siglos
difíciles del Medioevo, el Renacimiento puso otra vez al hombre y al
mundo laico en el centro del Universo.
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Renoir
no hacía sus figuras obesas sólo por capricho. No, él pintaba lo que
veía, lo que estaba de moda. El cuerpo de hermosas campesinas
francesas, como antes lo hiciera Pedro Pablo Rubens quien además
colocaba a sus modelos en posiciones tales, que mínimos acúmulos
adiposos se hacen aparentes y rotundos. Un homenaje a carnes rosadas
exuberantes, plenas de vida. |
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La
figura humana
ha desafiado a artistas a través de los siglos y alrededor del mundo.
Los contornos del cuerpo han probado ser siempre convenientes para
expresar los grandes temas de la humanidad. Los artistas han elegido
repetidamente ciertos temas donde el desnudo era considerado aceptable
e inventaron otros. Realistas, narrativas, y a menudo alegóricas, mis
pinturas comparten un tema en común, aquello de los héroes del arte y
del amor. |
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Un
error, dramático y casi fatal, señaló el nacimiento de
Pablo Picasso. La
partera, creyéndolo nacido muerta, lo había abandonado sobre una mesa;
mas su tío, un médico que fumaba puro, lo revivió con una ráfaga del
aire necesario (aunque lleno de humo) en sus pulmones. |
Pinturas
al óleo. Esta
técnica, basada en el uso del aceite como aglutinante, fue creada y
difundida por una corriente de pintura medieval originaria de Flandes
y conocida como flamenco. El óleo permitió un mayor colorido y
minuciosidad que el temple (pigmentos mezclados con agua y huevo),
utilizado hasta entonces.
Los pintores flamencos más destacados fueron los hermanos Jan y Hubert
van Eyck, Roger van der Weyden y Gerard David. |
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Jean
Baptiste Oudry(1685-1755).
En 1722, pintó un
cuadro titulado La caza del jabalí. El trabajo fue excelente y el
propio rey Luis XV se lo llevó como pintor de animales; le encargó que
empezase haciendo cuadros para representar a las fábulas de La
Fontaine y le hizo retratar a sus animales favoritos. Oudry tuvo una
vida de rey, con habitaciones en el Louvre, donde vivía con su larga
familia (tuvo 13 hijos). Merced al apoyo del ministro de Hacienda,
Fagón, recibió diversas rentas como superintendente de manufacturas
reales, puesto en el que contó entre sus ayudantes con el pintor
Boucher. |
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El
linaje de Toulouse-Lautrec-Montfa
se origina en el siglo XII, al contraer matrimonio el Conde Raimundo V
de Toulouse (1134-1154) con la Princesa Constancia de Francia (ob.1176),
hija del rey Luis VI "el Gordo" de Francia. De dicha unión nacerían el
Conde Raimundo VI de Toulouse (1156-1172) y Balduino (1165-1214) quien
casaría con la vizcondesa Alix de Lautrec, de los cuales nació Sicard
VI de Toulouse, Vizconde de Lautrec, en el año 1200, fundando así la
rama de los Condes de Toulouse-Lautrec-Montfa. |
Pablo
Picasso produjo
unas 13.500 pinturas y dibujos, 100.000 estampas y grabados, 34.000
ilustraciones para libros y 300 esculturas y cerámicas. El conjunto
de su obra está valorado en más de 780 millones de euros.Sin
embargo, durante su juventud padeció tal mísera que no tuvo más
remedio que quemar muchos de sus bocetos para calentarse.
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La miniatura persa
se caracteriza por la riqueza de su policromía, cuyo fulgor ha sido
comparado muchas veces con el esmalte. Mientras que en los siglos XIII
y XIV las miniaturas constituían frecuentemente una serie de viñetas
insertadas en las páginas del manuscrito, poco a poco tendieron a
independizarse del texto hasta tomar la forma de cartuchos
caligrafiados. |
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El cuadro de Rafael “La escuela
de Atenas”
es una representación de varios de los filósofos más importantes de la
Antigüedad, como Platón, Aristóteles, Epicuro o Diógenes, entre otros;
pero hay 2 personajes en la obra que no son filósofos. Uno de ellos es
el rey macedonio Alejandro Magno, que aparece a la izquierda ataviado
con armadura y casco. El otro personaje es el propio pintor, que
aparece representado a la derecha del cuadro mirando hacia el
espectador (junto a un hombre que lleva una gorra blanca). |
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En
los años treinta, el gobierno nazi clausuró museos de arte
moderno por toda
Alemania, confiscando más de 16.000 obras de arte consideradas, una
vez más, "degeneradas". |
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El
arte de la pintura al principio del período hispánico se vió limitado
por escaso número de pintores. En aquel momento predominaban los tonos
oscuros, los negros, los rojos y las tierras. |
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La Basílica de San Marcos
es el principal templo católico de la ciudad de
Venecia
(Italia)
y la obra maestra de la influencia bizantina en el Véneto. Su
construcción fue iniciada en 828 para guardar el cuerpo de
San Marcos,
traído desde
Alejandría. |
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Tres orfebres
florentinos
realizaron algunas innovaciones que supusieron una ruptura con las
convenciones del estilo gótico. El primero fue
Filippo Brunelleschi,
precursor de la perspectiva lineal. Convertido en arquitecto, fue el
primer constructor del renacimiento. Diseñó la enorme
cúpula
octogonal de la
catedral de Florencia,
terminada en el año 1436, para lo que estudió a fondo la arquitectura
clásica, especialmente el colosal panteón de Agripa. Dicha cúpula está
considerada como una proeza tanto desde el punto de vista artístico
como del de la ingeniería desde los tiempos de los romanos.
Brunelleschi, que estudió en Roma, fue el responsable de este resurgir
clásico en la arquitectura. |
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El Síndone o Sábana Santa de Turín
es un lienzo de lino rectangular, de 436 cm. de largo y 110 cm. de
ancho, y tejido a espina de pescado, que cubrió el cadáver de un
hombre que fue torturado, crucificado y que sufrió una perforación
en el pecho. Desde 1578 el lienzo se conserva en la Catedral de
Turín. |
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Las pinturas del extraordinario Sandro Botticelli en una
de
las cuales, «La
primavera», ha reproducido con gran fidelidad
la
facies héctica y febril
de
su amante,
la
bella Simonetta Vespucci, conocida tuberculosa florentina. Igualmente
la
veremos reproducida con las mismas características en «El nacimiento
de
Venus». |
La batalla de
Anghiari (en italiano, La battaglia di Anghiari) es una pintura al
fresco perdida, obra del pintor renacentista italiano Leonardo da
Vinci. Algunos creen que está escondida en algún lugar del Salón de
los Quinientos del Palazzo Vecchio de Florencia. Una pintura de Peter
Paul Rubens en el Museo del Louvre, París, conocida como La batalla
del estandarte, se cree que es una copia de la propia pintura de
Leonardo. Rubens hizo la pintura en 1603, basándose en un grabado de
Lorenzo Zacchia del año 1558. Hay varias diferencias con el original,
pero Rubens logró representar la furia, las intensas emociones y el
sentido de poder que estaban presentes en la pintura original.
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En la Edad Media, al leer el Evangelio,
se usaban atriles, los que terminaban en forma de águila con las alas
abiertas y extendidas como símbolo de San Juan Evangelista, el que
está significado por el águila, dando a entender su divina inspiración
en la escritura de su evangelio. Los Reyes Católicos, introdujeron el
águila en el escudo de España debido a la gran devoción que doña
Isabel le profesaba a San Juan Evangelista. |
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Otro de los temas del Romanticismo es
el retrato, encaminado en dos grandes vertientes, la primera la de
representar a los grandes héroes de la actualidad (dentro de un
concepto laxo del término); la otra, la de los héroes antiguos, cuyos
méritos todavía se mantienen en la memoria. La prensa valenciana
recoge en algunas de sus revistas varias galerías dedicadas a estos
personajes. |
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Curiosamente, sólo una de las esculturas
de Miguel Ángel está firmada. Es la
Piedad, que se conserva en San Pedro del Vaticano y que el artista
realizó a los veinti pocos años.
La Piedad, realizada en 1498 cuando Miguel Ángel tenía 23 años. La
estatua mide 180 cm de alto.
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La falsificadora de arte Madame
Claude Latour era
tan hábil que algunas de sus vivas pinturas de calles y suburbios de
París al estilo de Maurice Utrillo engañaron aun al mismo Ultrillo. El
pintor confesó que frecuentemente no estaba seguro de cuáles eran
suyas y cuáles de Latour. |
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A medida que avanzaron
los siglos fue más escaso el empleo del oro. Así, progresivamente, fue
desapareciendo este metal de los talleres de los orfebres, reemplazado
por la plata,
que es, después de aquél, el más dúctil y maleable de los metales. Se
suelda perfectamente bien y se lo puede alear con el cobre para darle
más dureza y resistencia.
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La Escultura
La Venus de Milo:
Descubierta en la Isla de Milos o Melos (Grecia) en el Mar Egeo por un
campesino el 26 de febrero de 1820.La Venus que mide dos metro y dos
centímetros de altura fue esculpida en tiempos del helenismo (entre
320 y 30 años antes de Cristo).Desde 1821 se encuentra en el Museo del
Louvre, en París. |
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Claude Monet
trabajaba, en los campos herbosos de los acantilados en Etretat, sobre
cinco o seis pinturas a la vez. A medida que cambiaba el tiempo, él
pasaba de una tela a otra. |
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La obra de arte, la estatua llamada
"Artemisa y el ciervo" elaborada durante la era romana es la más cara
del mundo. Se vendió en subasta en el año 2007 a un precio de 28
millones 600 mil dólares. |
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Muchos de los
dibujos mas asombrosos de Picasso fueron hechos con " una " sola
línea. El nombre completo de Pablo Picasso era: Pablo Diego José
Francisco de Paula Juan Nepomuceno Crispín Crispiano de la
Santísima Trinidad RUIZ y PICASSO.Se calcula que produjo: 13.500
pinturas o diseños 100.000 impresiones o grabados 34.000
ilustraciones para libros y 300 esculturas o cerámicas. |
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El Cuadro de
Canaletto titulado “Venice, The Grand Canal, Looking North-East
From Palazzo Balbi To The Rialto Bridge”. Precio: 18.600.000
libras (32.568.600 dólares). Esta pintura, una de las
favoritas para colgar en el número 10 de Downing Street,
perteneció a Sir Roberto Walpole, primer ministro de
Inglaterra. La pintura salió a subasta y su alto precio la
calificó como la sexta obra más cara que ha sido subastada.
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René Magritte (1898-1967)
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Doré Gustave
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EXPOSICIÓN
VIRTUAL DE LAS ESTAMPAS DE GOYA
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GOYA
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Diego Rivera
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10 pinturas mejores de la historia
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VITO CAMPANELLA
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ARTISTAS NAIF
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Grabado
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CUADROS
ANTIGUOS
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Estilo gótico
internacional
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Esculturas de
Europa
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Historia del Arte
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ARTE
EROTISMO
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GRANDES PINTORES
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El estilo Imperio
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La Ultima Cena de Leonardo
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EL ARTE JAPONÉS
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Salvador
Dalí
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HISTORIA DEL
ARTE AFRICANO
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En los siglos XV y XVI, es decir,
durante el Renacimiento muchas obras de arte fueron censuradas por la
Iglesia debido a los desnudos que en ellas se mostraban. El desnudo
humano era considerado en aquella época como algo inmoral, indecoroso y
obsceno, y, para poder mostrar cuerpos desnudos en sus obras, los
artistas renacentistas recurrían a menudo al tema mitológico — por
ejemplo, la Venus de Urbino (Tiziano)
— e incluso, a veces, al tema religioso. |
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Las señoritas de
Aviñón o de Avinyó es un cuadro del pintor
español
Pablo Picasso pintado en
1907. Está hecho mediante la técnica del
óleo sobre lienzo y sus medidas son 243,9 x
233,7 cm. Se conserva en el
Museo de Arte Moderno de Nueva York. El cuadro
se mostró en la película Titanic. Si el famoso
cuadro de Picasso hubiera viajado a bordo,
¿cómo se las habría
apañado para sobrevivir al naufragio y llegar hasta nuestros días? Fue
un gazapo de la película. |
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El Atlas
de Farnese es una estatua romana de
Atlas, el titán
que llevó el cielo sobre sus hombros. La estatua es del siglo d.C. y
en la esfera aparecen las 41 constelaciones catalogadas de la época,
siendo el mapa celeste más antiguo que perdura hoy día. Es conocido
como el
Atlas de Farnese
porque forma parte de la Colección Farnese en el
Museo de Nápoles. |
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La influencia personal de
Napoleón en las artes y los artistas europeos permitió desarrollar un
estilo monumental Imperial inspirado en la cultura greco-romana y con
otras influencias.
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Le Moulin de la Galette (Molino de la torta)
es un
molino de viento ubicado en el corazón de
Montmartre, donde corona la colina más
famosa de
París,
Francia. Este molino no era el único de su
especie en la Francia del 1600; Montmartre (de Mons Martiryum) era un
municipio de viñedos, trigales y pastos que, posteriormente se anexó
como barrio a la capital. Con el paso de los años y de la
revolucionaria historia francesa el Moulin de la Galette sufrió
importantes cambios: lo que en un principio fue para moler el trigo y
hacer la vendimia, ha terminado sirviendo de
cabaret. El área ha sido retratada por
numerosos artistas, tales como
Pierre-Auguste Renoir,
Henri de Toulouse-Lautrec,
Vincent van Gogh, y
Pablo Picasso. En 1939, fue declarado
Monumento histórico.
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MAESTROS
DE LA PINTURA
Fueron estos maestros
los que inspiraron su obra, la mayoría de las veces provocadora, muy distante de
los gustos de la época. Su trabajo inspiró el estilo impresionista.
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